Disdéri Fotografía

El escenario donde se mutilan mis ilusiones...

2012-02-01T10:52:00.002-06:00

Viejas revistas...

2012-01-30T23:19:00.004-06:00

Una breve pausa para continuar con el blog... Se fue el viejo hace poco...

Día de muertos 2011

2011-11-02T17:36:00.008-06:00

Prometeo

2011-09-24T18:54:00.002-05:00

Mexican Suburb XD 24-365

2011-09-21T19:04:00.002-05:00

Mexican Suburb XD 23-365

2011-09-21T18:55:00.003-05:00

Mexican Suburb XD 22-365

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Mexican Suburb XD 21-365

2011-09-11T18:05:00.003-05:00

Mexican Suburb XD 20-2-365

2011-09-04T20:32:00.001-05:00

Mexican Suburb XD 20-365

2011-09-03T14:40:00.005-05:00

El Toro y la Luna

2011-08-24T11:07:00.002-05:00

El Ciudadano.

2011-08-14T19:43:00.004-05:00

BAJO SU PARAGUAS UNA TARDE GRIS
AL PEQUEÑO PARQUE LLEGÓ
Y EN UN VIEJO BANCO SE DEJÓ CAER

Y SE DURMIÓ.

SOÑÓ CON SER UN GRAN SEÑOR
SOÑÓ CON UNA CASA EN LA CIUDAD
Y UN PERRO FIEL EN SU JARDÍN
Y UNA MUJER HERMOSA A QUIEN AMAR.

SOÑÓ CON SER UN CIUDADANO MÁS.

ADRIÁN
ADRIÁN
UN SER HUMANO COMO LOS DEMÁS.

ADRIÁN
ADRIÁN
UN CIUDADANO MÁS.

ADRIÁN
ADRIÁN
UN CIUDADANO MÁS.

José Luís Perales.

Hipocresía - Holofernes no pudo quitarle el cilicio...

2011-08-07T21:04:00.003-05:00

Una temporada en el infierno...

2011-07-30T22:58:00.003-05:00

"Antes, si mal no recuerdo, mi vida era un festín donde se
abrían todos los corazones, donde todos los vinos corrían.
Una noche, me senté a la Belleza en las rodillas. — Y la
hallé amarga. — Y la insulté.

Una temporada en el infierno.

Arthur Rimbaud

Mexican Suburb XD 19-365

2011-07-24T17:51:00.006-05:00

"Yo lo tengo ya...

es un buen lugar...

cuando el tiempo se termine

vendré aquí a descansar..."

Una lanza, una oración...

Duncan Dhu

Mexican Suburb XD

2011-03-10T09:51:00.003-06:00

Por si alguien quisiera perder un poco de tiempo viendo cómo he aprovechado las lecciones aprendidas en mis blogs favoritos, los invito a visitar este nuevo "proyecto". No se que pueda significar el hecho de subir una foto diaria en internet pero como ejercicio puede sorprender.

¿Puede reflexionar un idiota? o me hago tonto yo solo...

2011-03-06T10:41:00.040-06:00

Siempre me gustó seleccionar a mis amigos por su buen caracter, y a mis enemigos por su inteligencia, como decía Oscar Wilde. Desafortunadamente, no siempre fue posible. O bien mis amigos se pasaban de listos, abusando de mi buen caracter; o mis enemigos se hacían los tontos, molestando en circunstancias fuera de lugar... Pero nunca me puse a considerar cuáles de todos estos eran idiotas. No recuerdo haber tenido algún amigo muy atarantado y, desafortunadamente, los enemigos tampoco lo eran...

Pero hoy, me da gusto conocer a un amigo muy idiota, y con buen caracter, según me hacen pensar las atenciones que ha tenido conmigo a traves de su web. A propósito de ésta, espero sinceramente que pronto pueda marchar tan bien como lo hizo desde su inicio. Por el momento, las reflexiones de este idiota me muestran cada día la confusión de Oscar y mía, pues vemos en este blog cómo los idiotas pueden ser lúcidos por momentos, y cómo no estaría mal tolerar su amistad...

Tengo un amigo muy talentoso para tomar fotos, y de verdad me parecen buenas casi todas. Igual que Borja de Diego, hace una, bueno, varias, todos los días; enseguida, escoge una y la sube a fotolog. Una cada día. Pero si le pregunto qué ve en sus fotos, por lo menos en la seleccionada, es incapaz de articular una explicación coherente; ni siquiera puede decir qué le llamó la atención sobre esa imagen; dispara por instinto, y dispara bien. Sospecho que este amigo no es idiota, debe ser autista visual o algo así... No les pongo el link de su página por no perder su amistad...

En cambio Borja de Diego se esfuerza en parecer idiota, pero no lo es. Alguien capaz de extraer, aunque sea en el nivel de lo cotidiano, una reflexión filosófica de la foto hecha cada día, con la noción del color y el ángulo de toma tan desarrollados, no puede ser sino mi amigo, y por lo tanto, no será un idiota...

Borja de Diego empezó su escaparate con la ilusión de estar escribiendo una novela; si algún día la consigue, desearemos poder ver en cada capítulo escenas desarrolladas desde ángulos tan incisivos como en sus fotos. Por mi parte, si no soy idiota, por lo menos soy holgazán; pasear todo el día por la calle con la cámara desempacada para concretar mis reflexiones en imágenes está fuera de mi alcance. Aunque a todos, amigos y enemigos, les presumo de las fotos que nunca han visto, y aunque no dudo de ser un artista de la lente, la foto de abajo, con su respectiva reflexión, me deja un poco perplejo...

Nuestro reflejo es lo que somos, no lo que decimos que hacemos

En fin, a partir de mañana iniciaré mi propio fotolog, y durante un año haré el desmedido esfuerzo de entregar una foto diaria para mis múltiples seguidores... En verdad podré ser idiota? o me haré tonto yo solo? No se lo pierdan...

Pero tengan en cuenta que sólo estoy comprometiéndome con una foto al día; no significa que serán todas de diferente asunto, ni siquiera hechas en la calle y, menos, acompañadas de una teoría... Hay que considerar si esforzarse por pensar diario en distintos temas no podría conducir a la dispersión de personalidad, o a la pérdida de perspectiva... Y, de esta manera, quedar uno definitivamente todo idiota...

Rodisi o del Banquete...

2011-03-03T23:09:00.016-06:00

Un amigo emprendedor vivía bajo la tiranía del padre, hombre de negocios exitoso. Un día, uno de sus empleados nos invitó a una comida en su casa, con motivo de alguna boda, creo.

En un gran patio se preparaba y servía la barbacoa; arrinconada, una montaña de cervezas esperaba impávida su exterminio... Mientras degustaba mi platillo, descubrí la mirada de mi amigo concentrada en la figura de nuestro anfitrión. Se deleitaba dolorosamente viendo la alegre convivencia de éste con su familia. El gesto más intrascendente de la interacción producía un brillo lamentable en sus ojos de felino en reposo. Qué tranquilos se ven, me dijo, como si nada les preocupara. En cambio, uno vive de la chingada...

Pero él no los envidiaba; sabía que era un momento para disfrutar y los tomaba como parte del banquete. Mi barbacoa estaba sabrosa y mi cerveza helada, así que sólo se me ocurrió pensar en su reciente divorcio. Pero sus divagaciones distrajeron mi paladar hasta hacerme comprender la desgracia de una vida insatisfecha sobrellevada en la opulencia, únicamente complicada por los ajetreos del negocio.

De la misma forma, cuando me doy un banquete visual en internet, paladeando las asombrosas maravillas producidas por el Photoshop; cuando pienso en una imagen que me gustaría "plasmar"; siempre recuerdo el blog de Rodisi. Y, aunque no lo envidio, sus fotos deben producir en mis ojos el mismo brillo lamentable. Las observo y las disfruto, con satisfacción y leve melancolía... Rodisi quiere "plasmarlo" todo, desde el pequeño cerrojo de una puerta, pasando por la hierba de sus campos incansables, hasta las panorámicas luminosas de sus playas. Todo capturado con alegre y apacible mirada. Viendo sus fotos recupero la sencillez de la mía.

Dije que no envidio sus fotos, pero sí sus bagabundeos. La vida complicada por el ajetreo del tráfico apenas me da tiempo para caminar por mi propia calle...

La oscuridad insomne... o las "Noches de Radiomundo"...

2011-02-20T19:01:00.124-06:00

En la radio pasaban un programa nocturno llamado "Noches de Radiomundo". Con música de diferentes paises; al inicio, se escuchaban unos pasos lentos, pesados, que resonaban tranquilos sobre el pavimento, acompañados por un breve silvido final, tan lenitivo... Era la media noche y después del viaje musical, todo era silencio; la radio se apagaba, era hora de dormir. Pero no dormía, seguía escuchando los pasos, esperando la llegada de otros pasos más pesados... casi mudos... Pronto, una llave chocaría contra la puerta, ésta se abriría y la silueta de un coloso entraría con calma, seguida de una corriente de aire olorosa a cigarro. Descansaría su hombro dejando la maleta sobre la mesa, segura ya en casa... Ahora ya todo estaba tranquilo; ellos estaban bien, el viejo y su maleta, con la cámara dentro... Enseguida, el coloso roncaría sobre los resortes del rechinante olimpo, y todos dormiríamos seguros y tranquilos. La noche era silenciosa, el viento sonaba ligero, en la oscuridad, un velo de luna brillaba insomne...

Cuando crecí, quien escuchaba la radio era el viejo, esperando la llegada de otros pasos, pero más ligeros... Pobre viejo, nunca los oía llegar...

Desde entonces, las imágenes nocturnas con algún elemento aislado y solitario, vistas a través de una ligera nebulosidad transparente, me hacen recordar las noches en que me asomaba por la ventana para ver si venía el viejo. La mayoría de las veces, sólo se miraba la luz de la luna sobre el fondo, cerros oscuros en segundo plano, y el patio grande y vacio, en primer plano. Este patio era un espacio alucinante; parecía blancuzco y pardo al mismo tiempo, y reverberaba con la luz de la luna hasta casi nublar la mirada... De manera que si tenía suerte habría una silueta enorme atravesándolo; si no, podía empañárseme la vista esperando... Lo mejor era esperar acostado en silencio, escuchando los pasos de la radio hasta que sonaran otros en el espacio alucinante...

Así, que cuando vi las fotos de este blog: http://asunapariciofotografia.blogspot.com/, me llamó la atención su atmósfera de ensueño nocturno; algún pájaro, un barco, una persona solitaria esperando junto al mar, una rama aislada, todos envueltos en una subjetiva niebla transparente, todos silenciosos; parecen abandonados pero autosuficientes, seguros, como esperando pero sin tener necesidad de la llegada... No se si ese pájaro, esa rama o esa persona solitaria en la oscuridad soy yo mirando el patio, o es el viejo caminando sólo por la calle oscura.

Yo también esperaba, pero sin necesidad, pues él siempre llegaba... Ahora, él siempre tiene necesidad de que alguien llegue...

Sin embargo, la verdadera emoción producida por estas imágenes está en el hecho mismo de esperar sin necesidad... El temor de no ver el regreso... Una falla en la comunicación que producía la ansiedad por la llegada, pues siempre había cosas que se podían decir pero se callaban; tenías que esperar al día siguiente... Si un día no se le dijo algo importante y no llegaba... Si te despediste molesto o no te despediste... Quien lo sabe...

En fin, tuve que agregarlo a la lista de blogs.

En cuanto a la técnica, en este blog puedo ver el misterio y la subjetividad del blanco y negro, la nostalgia del sepia, manejados con maestría y suavidad. Aunque las fotos en blanco y negro son atrayentes por sí mismas, sólo una fotógrafa sensible y delicada puede aprovechar sus cualidades sin abusar de ellas, pues en estas fotos no hay nada gratuito, y no precisamente por la escasez de elementos, sino por la sabiduría con que son utilizados los pocos que aparecen. Todos son como una insinuación, pero el universo está concentrado en ellos...

Mi lista de blogs...

2011-02-16T15:55:00.039-06:00

Uno de mis blogs favoritos se actualizó hace dos días, después de más de ocho o diez meses de inactividad... Y lo noté porque estuve a punto de expulsarlo definitivamente, sin pensar en la ausencia de mi propio blog durante meses también. Entonces consideré porqué agregué blogs de contenido tan diverso entre sí, además de ser tan pocos los elegidos y a pesar de haber tantos en la red y del tiempo ocupado navegando en ella.

Desde luego, los elegimos porque nos gusta su contenido. Así, que veremos porqué me gustan los míos, ejerciendo un poco de autocrítica, pues el punto de vista objetivo no se me da tanto, si este existe en estas cuestiones...

Aparecen en orden alfabético, no en orden de predilección:

Los fotógrafos del American Suburbx me muestran la realidad cotidiana en toda su crudeza, sin piedad ni consideración, pero de manera muy estimulante. Con la imaginación tan atrofiada por la publicidad, el cine, la televisión y la abundante producción artística en todos los medios donde se muestran imágenes oníricas al por mayor como único tema, siempre resulta agradable contemplar en fotos lo que, sin embargo, puedo ver a diario frente a mi, por la calle y en mi propia casa...

Como su nombre lo indica, sus fotógrafos retratan el medio anglosajón en sus aspectos, regularmente, más deprimentes; a veces, los personajes pueden parecer abyectos, o simplemente ordinarios; el paisaje nos espera desolado... En este blog parece ausente la "belleza" en el sentido formal y estético de la palabra.

Su belleza es tan evidente para mi, ahora, que no puedo comprender como no la vi antes... tan "imbuido" como estaba de la belleza pictórica tan admirada en Leonardo, Botticelli, Miguel Angel, etc, y por andar tras la pista de los fotógrafos "pictorialistas", para reprocharles mis propios defectos... Gracias a la destreza técnica de sus fotógrafos, el American SuburbX por fin me entregó su secreta belleza.

William Eggleston podría ser mi favorito hasta el momento, pues no he visto todos, ni quiero apresurarme. Ya sucedió que perdí la sensibilidad y la vista con el hartazgo Witkiniano... Por esto, esperaré al restablecimiento de mis nervios para disfrutar en todos sus matices la "belleza americana". De momento, me basta reconocer que la verdadera belleza de estas fotos está en el propio medio fotográfico; en la técnica, en los materiales. No estoy seguro si lo inventé o lo leí, pero creo que la fotografía facilitó el surgimiento del impresionismo o algo así. Es decir, ambos trataban de captar un instante en el tiempo; una situación cotidiana; un personaje ordinario; una actitud intrascendente... Las partes traseras de unos coches no pueden ser más ordinarias, sin embargo, el medio fotográfico las transforma en motivo estético para entregarnos una imágen donde lo importante no son ellas, sino la armonía de los colores, algo desteñidos, como debe ser la realidad... El detalle del poste en la intercepción de ambos coches es exquisito. Hay una correspondencia entre el color del tejado de la construcción en la izquierda y el color del coche en primer plano; un equilibrio de masas, como si dijeramos, marcado por el poste. La calabera enmarcada en blanco y las ventanas o puertas de la construcción también se corresponden. El auto blanco parece estar ahí sólo para dirigir nuestra mirada hacia dicha contrucción, y para desahogar un poco la escena. Este choche blanco permite respirar al cuadro... digo, a la foto.
Si nos detenemos aquí, diría que la fotografía es el objeto estético por excelencia. Si es cierto lo que dicen aquí, que la técnica y el mensaje son lo mismo, entonces no quiero avanzar más... estoy de acuerdo. Pero, si tuviera que mirar la escena con ánimo filosófico, diría que William sólo quiere tomar buenas fotos...

Este fotógrafo es el artista por antonomasia; eligió un medio de producción artística y se dedicó a producir objetos bellos con él.

"Las fotografías tienen una tranquilidad y el romanticismo sentimental, así como un borde de patetismo, que contradicen las expectativas de esperanza o portento sugerido por el conocimiento de la hora y el lugar en que fueron hechas". (Esto es en vísperas de elecciones). No puedo entender cómo la tranquilidad contradice a la esperanza... Será porque sugiere estabilidad, que no habrá cambio; y la esperanza implica cambio, evolución, ansiedad por dicho cambio. Bueno, a mi me parecen dos sentimientos positivos. Del "romanticismo sentimental" no se qué decir... a menos que haya un "romanticismo insensible"... Pero esto se debe al Google Traductor.

Resumen: la realidad del American Suburbx y la fotografía analógica como medio para captarla me parecen los elementos de la verdadera naturaleza del arte fotográfico. Afortunadamente, la realidad exterior no es la única realidad; también el ser humano es real, y los sentimientos, las emociones, los recuerdos, la imaginación son reales puesto que existen en los seres humanos... Y que viva el Photoshop...

Dije antes que los medios pueden atrofiar la imaginación, y lanzarnos a buscar imágenes extraordinarias para sorprender al espectador, pero el efecto más peligroso en realidad es una atrofia de la mirada. Perder la sensibilidad para captar los matizes de la iluminación natural por traer siempre en la memoria los colores vistos en el cine o la televisión, las imágenes de iluminación estudiada de las revistas, agregándole a éstas el brillo y la textura del papel, puede causar que se hagan fotos donde incoscientemente o a propósito captemos las mismas "texturas visuales" aprendidas y asimiladas a través de dichos medios.

Por esto, ver las fotos de William y de muchos otros fotógrafos no sólo me permite mantener la imaginación en su lugar, sino también, la mirada bien calibrada para no extraviarme en la iluminación artificial... y es lo que más me gusta de estas fotos. No sólo me muestran una realidad exterior, me presentan una realidad "lumínica".

Witkin y el Descenso a los Infiernos o He quedado ciego de los ojos...

2011-02-12T13:21:00.020-06:00

Como ya comenté antes, la primera vez que vi fotos de Witkin fue en una película de suspenso y terror. Aunque las muestran pocos segundos y de reojo, me impresionaron bastante. Es tanto su poder, el poder de lo "ominoso", el cual provoca " una detonación en lo más elemental de nuestro ser", que desde entonces no pude parar la búsqueda de sus imágenes por toda la red. Claro, sería un placer tener un original, si no en las manos, en una galería. Envidio a quienes han tenido este placer, y los compadezco.

Por mi parte, debí conformarme con esos atisbos momentáneos de la obra de este "retratista de la condición del ser". Contemplar un misterio brevemente puede ser agradable; ser atraido y capturado es un tormento. Y si dura toda la vida, imagínense... Las fotos de Witkin me anonadaron; como él, me vi condenado a los infiernos por toda la eternidad; pero sin un medio para redimirme, como la fotografía. O eso pensé, en medio del terror y la abyección con que nos deleita el redimido; lamento que no sea también un redentor...

Algo peor que una condena es la costumbre. Tan absorto estaba en el misterio, descendí tan bajo en el abismo, descubrí tantos horrores, que mis nervios se templaron hasta el punto en que ya no pude ver ni sentir nada... Quedé ciego...para siempre... El fuego del infierno calcinó mis retinas; en adelante, sólo podré mirar en mi interior...

Aunque antes podía ver las fotos de Witkin y estremecerme, no las comprendía. Por eso, también me sumergí en la red, condenado por mi ignorancia y azuzado por mi curiosidad; digo azuzado porque ya me había "transformado" en un ser primigenio... hay güey...

Diría que la paciencia recompensó mis esfuerzos, pero más bien fue la desesperación por encontrar la salvación para mi alma, si aún la tengo. Y es congruente el hecho de que no fue mucho el material encontrado. Siempre le damos la espalda a lo repugnante. En el mundo intelectual debe ser lo mismo. Nos entregamos al morbo con entusiasmo, pero nos inclinamos a la comprensión con molestia. Porque fotos de Witkin hay por todos lados, pero análisis concienzudos sólo encontré uno, más una referencia bibliográfica. Y adviertase: para buscar sólo utilizo Google; si por otros lados hay más, ustedes lo saben...

En cuanto a la foto de arriba, no se porque le encuentro un parecido con esta de abajo:

¡ ALARMA ! De ahora en adelante estamos solos...

2011-01-08T20:56:00.027-06:00

Decididos a continuar con los "post" del blog nos acercamos a la caja donde guardamos las viejas revistas de fotografía, en las cuales hemos basado hasta ahora el sesudo trabajo de análisis y comentarios. Con sorpresa descubrimos la razón por la que suspendimos tanto tiempo los "aportes" a la "comunidad" fotográfica de todo el mundo: la colección se terminó.

Consternados, nos damos cuenta de la desamparada situación. Así, que de ahora en adelante habrá que buscar en la "red" de internet material para masticar.

Al recordar las cosas descubiertas en esta corta y lenta exploración de ideas sobre la fotografía, una de esas ideas persiste con disimulo entre todas las demás: entre todos los fotógrafos entrevistados en la revista, una línea divisoria marca dos tendencias en los diversos puntos de vista. Están los fotógrafos "realistas" y los fotógrafos "pictorialistas". Los primeros capturan la realidad tal cual la ven; los segundos, crean la suya propia.

Pasando de lado por el pequeño detalle de haber intentado primero ser pintores algunos de todos estos, realistas y pictorialistas, queda la conotación de ser conformistas unos y reveldes los otros; aunque todos creadores y, sobre todo, artistas...

Por inclinaciones naturales y frustaciones personales, debemos reconocer la predilección por los segundos. Y como dicen que lo que más admiramos en otros son nuestros defectos... o algo así, reconocemos como fotógrafos favoritos a Eugene Atget y otros como él. Sin embargo, para nosotros, pasear por la calle con la cámara a cuestas esperando captar algo interesante, por no decir bello, es algo extraordinario. Y no por creer como Duane Michals que la realidad callejera es estúpida. Aunque no era surrealista o pictorialista por lo menos, Disdéri trabajó en su estudio acomodando a sus modelos de la mejor manera para captar su personalidad con elegancia y armonía. También es de nuestros favoritos. Y una fotógrafa contemporánea, de suave textura en su mirada y sonámbula inspiración.

Alejados del caballete y arrimados al tripie, reconocemos públicamente ser uno de "esos" pintores fracasados tan mencionados en este blog. Reconocimiento tardío y animado por la bondad de Su, quien nos dejó un beso en el comentario de este ingenioso "post".

La verdadera razón de todo este desvarío introductor, es un detalle de lo más insignificante y banal, pero molesto hasta el insomnio: la forma de trabajar de un verdadero artista creador. Curiosamente, lo mencionamos varias veces aquí, (dos), sin darnos cuenta de su presencia recurrente.

Una vez distinguido entre dos tipos de fotógrafos, los conformistas y los creadores, sigue la demostración de los métodos de éstos últimos. La palabra clave puede ser "composición". Ignorando el partido "político" que se le puede sacar a ponencias "Masterclass" de confuso contenido, podemos atender a la intención del fotógrafo al disponer sus elementos para componer una fotografía. Pero no una fotografía de estudio para la publicidad, sino una fotografía representante del mundo personal del artista.

"Quien ve mis fotos ve mis pensamientos" es una declaración de principios por parte de Michals pero también una sutil llamada a la complicidad con el espectador.

Veamos a Witkin creando su mundo para mostrarnos sus pensamientos en estos cuadros. Lo alarmente de estos videos son los dedos desnudos manipulando un feto humano.

Lo maravilloso en este video son los mismos dedos cubiertos manipulando un negativo.

Queriendo inferir un significado poético en la forma de trabajar de Witkin, no puede dejar de verse la intención de no manchar el negativo en la utilización de guantes; así como la familiaridad con los cadáveres en la despreocupación por el contacto directo. Pero sí puedo afirmar mi predilección por estos fotógrafos creadores de su propio mundo. Y, aunque lo importante son los resultados, me parece algo muy barato esta otra forma de comunicar ideas: artista conceptual sasonando a su hijo con salsa de tomate... Claro, es una opinión muy puritana y por completo inutil, pero quería calentar las teclas mientras se me ocurre como continuar el blog...

Este artista incluso es capaz de contestar a la pregunta de un curioso fan sobre los materiales utilizados en su trabajo:

wow wat did you use for the blood

Theatrical blood, not sure what brand.

gottfriedhelnwein hace 11 meses

Dime, Witkin, qué materiales usaste para tonificar tus fotos?

NAVIDAD 2010

2010-12-24T18:09:00.002-06:00

Bloggero arrepentido...

2010-12-07T18:23:00.015-06:00

Después de una larga separación del teclado y un exilio del ciberespacio nos pareció conveniente para retomar el hilo del blog repasar una que otra entrada con la intención de considerar el calibre intelectual puesto en evidencia.

Durante el examen eliminamos una sóla entrada por parecernos bastante ingénua la idea sugerida en ella. En seguida, buscando pretextos fotográficos para desentumir los dedos nos lanzamos al ciberespacio tan añorado. Y, como para reprocharme tanto tiempo de ausencia en sus entrañas, el buscador de Google nos escupe a la cara este resultado de una consulta que ya no recuerdo cómo era: http://foco.me/los-9-ojos-de-jon-rafman/.

¿El tal Jon-Rafman será uno de nuestros miles de seguidores y nos tomó la palabra siguiendo la sugerencia, o se le ocurrió la misma idea que a nosotros, eliminada en un momento de ingenuo pudor comunicativo? Según este sitio, http://altfoto.com/2010/12/jon-rafman-y-su-proyecto-fotografico-sobre-google-street-views,

el proyecto fue presentado por ahí de los inicios de este mes. Nuestra entrada injustamente borrada tiene por lo menos tres meses de antiguedad. En fin, jódete y baila, dice Henrry Miller. El redactor de la nota se pregunta algo interesante: ¿es fotografía si no hubo un humano que tomara la cámara y realizara las tomas? ¿la mera elección de las tomas puede ser considerado como acto fotográfico?

Bueno, también habría que preguntarse quienes patrocinaron la exhibición en el New Museum de Nueva York. Tan urgidos están de novedades o de verdad tengo buenas ideas...

Que esto nos sirva de experiencia a todos, porque si hubieran hecho eco de mi sugerencia no hubiera creido estar diciendo estupideces... Así que por favor, manden comentarios sobre las entradas del blog para que no sienta yo que estoy tan solo... ja!

Aquí su página 9 ojos:

http://9eyes.tumblr.com/page/1

Y aquí nuestra entrada recuperada del cache de Google, borrada por inseguridad del bloggero:

Escriban:

cache:www.disderifotografia.blogspot.com

Las fotos de Google Maps y el arte de la fotografía...

Uno de los miles de seguidores de este blog, al ver la siguiente foto en una galería virtual ( http://www.multimagen.com/portfolios/portfolio.php?id=8373 ), preguntó hasta donde habíamos tenido que viajar para encontrar tan sublime paisaje... Si por casualidad habíamos esperado alguna época del año en específico y tal vez una hora particular del día... (Claro, no sabe que existe el Photoshop).

Al indicarle como llegar a tal sitio utilizamos Google Maps, para ser más gráficos, y se nos ocurrió si se podría tomar fotos de este servicio y convertirlas en arte. Y, si fuera factible, de quien serían los derechos...

Aquí la foto mencionada:

Aquí las vistas de Google Maps:

Y aquí un intento de convertirse en fotógrafo de paisajes sin tener que viajar realmente:

¿ Bastaría con vagar por todo el mundo sin rumbo fijo?

FOTOS RECUPERADAS DE PICASA WEB ALBUMS:

Composición, política, salven el planeta, "Only Raw" y el Concepto de Aura...

2010-07-24T20:27:00.082-05:00

A casi cuarenta años, cuando imaginábamos entrar en una nueva era fotográfica donde colmaríamos nuestros deseos de realización artística gracias a la tecnología digital, y precisamente con la ansiedad de aprender de los grandes maestros, nos encontramos con una videoconferencia cuyo tema nos atrajo de modo irresistible: La Composición, con mayúsculas. Pero, en lugar de satisfacernos con los sustanciosos conceptos insinuados por el título, sólo nos sorprendimos por los deshilvanados comentarios del ponente con duración de más de una hora, pasando por la política y la ecología.

Aquí surge un tema que por defecto no nos interesa: la militancia política del artista, bastante bien tratado por Mario Vargas Llosa refiriéndose a la literatura. En cambio, cuando el ilustre conferencista llama "falsos dioses" a los programas de edición digital como el Photoshop, nos interesa mucho el tema. Pero no por fanatismo, pues apenas lo utilizamos para conseguir algunos efectos logrados antaño en el cuarto oscuro, aunque esperamos seguir aprendiendo su manejo, sino porque nos parece una confusión de actitudes ante el arte bastante sencilla en la que incurren quienes se autonombran "puristas". Actitud manifestada por la "repulsión que muchos fotógrafos tienen con los "trabajos de cocina".

Pero antes de enfrentarlos a la decepción compositiva, les presentaré un artículo de nuestra vieja revista del año 1973 para ir entrando en el tema principal.

"Es comprensible el sentimiento de repulsión que muchos fotógrafos tienen con los trabajos de cocina..." Estas son las palabras de introducción al artículo principal del presente número de nuestra vieja revista para referirse a los fotógrafos creativos. Estos eran, en aquellos tiempos, quienes practicaban el sándwich, solarizaciones y demás trucos permitidos por la tecnología. Así, podríamos llamar "cocineros", si no es que "gourmets" por lo que pueden hacer algunos, a los fotógrafos fanáticos del Photoshop.

"Muchas fotografías son obras de arte, esto es algo evidente para los iniciados. Sin embargo esta afirmación se ve muchas veces discutida, ya que la fotografía también tiene un papel netamente utilitario. Entre la fotografía artística y la simplemente documental hay una gran diferencia, pero sus fronteras están mal definidas."

Documental o artística, esa es la cuestión. El arte siempre se ha manifestado a través de un continuo que va de lo objetivo a lo subjetivo, pasando por diferentes grados. Estos han tenido sus respectivos nombres: realismo, naturalismo, impresionismo, expresionismo... Y la fotografía se puede adjudicar cualquiera de ellos, sin preguntar por la opinión de la pintura, la cual le debe algunas cosas en su denominación impresionista según la revista: "el encuadre, el movimiento suspendido, la perspectiva, los contraluces, etc." Sigue la revista: "Dalí no niega nunca sus fuetes de inspiración fotográficas, y [ que ] en alguna ocasión dijo, no sin humor, que la pintura es fotografía hecha a mano".

"El que los pintores y los diseñadores se inspiren en fotografías o las copien y que los fotógrafos traten de producir imágenes imitando más o menos felizmente las telas de los grandes maestros, carece de interés. Lo importante es que existe un campo infinitamente vasto que los fotógrafos no han explorado más que con mucha timidez: el que revela propiamente el campo fotográfico."

Y aquí llegamos a lo más interesante del artículo: "Muchos fotógrafos se escandalizarán, pero lo único que pretendemos hacer, es constatar la evolución del sentido fotográfico. La imagen obtenida con una cámara no puede simplemente constituir un fin en si misma, como se piensa en general. Es también punto de partida, un material para trabajarlo a fin de obtener una forma de expresión".

Y finaliza: "Nuestros ejemplos prueban que la discusión carece de objeto. Contemplamos poemas en imágenes que exigen una concepción lo suficientemente sofisticada, como para transformar una foto banal en un poema fotográfico".

Era el año 1973 y ya la discusión carecía de interés, aunque los fotógrafos se mostraban tímidos al respecto. Steichen había "fallecido recientemente, después de contribuir a llamar la atención del público sobre obras completamente originales".

Regresando a la videoconferencia, empezamos por aclarar que la "Only Raw" no define una corriente artística como las mencionadas anteriormente, sino que nombra un requisito para participar en determinados concursos fotográficos cuyo tema es la Naturaleza, con mayúsculas. No es más que una iniciativa para evitar fraudes en dichos concursos, impidiendo el triunfo de fotógrafos muy imaginativos.

Sin embargo, partiendo de dicha iniciativa, nuestro conferencista toma la frase como estandarte para erigirse en portavoz de una corriente artística inexistente. Todo lo cual tampoco nos interesa. Debemos comprender que desde su nacimiento la fotografía fue considerada inferior a la pintura, y como hemos visto, todavía en los años setentas estaba luchando por su reconocimiento artístico. Por esto, es natural que ahora el resentimiento acumulado por dicho menosprecio se descargue sobre los fotógrafos digitales que manipulan las imágenes sin haber pasado horas en el laboratorio entre líquidos reveladores. No pudiendo considerarse igual a la pintura, busca sentirse superior a la computadora.

"Raw" designa el "negativo digital", impuesto por los mismos creadores del falso dios Photoshop, y traspasar los límites de un concurso cumpliendo con la exigencia de no alterarlo fuera de la cámara para transferir el requisito a todas las manifestaciones posibles del arte fotográfico es una actitud tan desilusionante como la videoconferencia de nuestro artista,

http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Benito_Ruiz

muy respetado internacionalmente y por cuya biografía precisamente nos animamos a echarle un ojo al video en cuestión.

http://217.116.9.134/fundacion1/index.asp?Multicanal=FU1&programa=PR36&emision=1

Actitud no manifestada expresamente, pero insinuada por el tono despectivo utilizado al hablar de "los falsos dioses" refiriéndose al Photoshop; igual que otro de los adheridos al only raw llama "ilustradores digitales" a los fotógrafos que lo utilizan.

http://oriolalamany.blogspot.com/2008/03/iniciativa-only-raw.html

Manifiesta o no, tratándose de fotógrafos de la naturaleza, su actitud es muy comprensible; lograr fotos maravillosas de paisajes naturales debe implicar más cosas además de talento: gastos para viajar a través del mundo, es decir, dinero; paciencia para captar la mejor iluminación, es decir, tiempo. Con todas las molestias que viajar y permanecer a la intemperie puedan ocasionar. Por todo esto, que un simple "ilustrador digital", que no hace tal vez más que encimar y traslapar "layers" para lograr los más extasiados paisajes sin dejar la comodidad de su hogar, llegue a los concursos y se lleve el premio mayor debe causarles más molestias a los "puristas" que todos los viajes alrededor del mundo.

En fin, mientras los "puristas" de la "Only Raw" mantengan sus exigencias dentro de sus concursos, el mundo del arte no tendrá nada que temer; su grandeza es infinita y nunca ninguna "corriente artística" podrá recorrerla toda. Nosotros trataremos al mismo tiempo de llenar el vacío en nuestra comprensión de la teoría de la Composición, pues si el conferencista hubiera mantenido sus comentarios dentro del tema, no consideraríamos desperdiciada la hora y media que dura el video. Y tal vez nos enrolaríamos en las filas de la only raw seducidos por su sapiencia, pues por más que nos esforzamos, no logramos avanzar tanto en nuestra comprensión del Photoshop. Algunos dioses son crueles...

Para terminar, la conferencia y este "post", no resistimos elogiar la inteligencia de un asistente, quien preguntó si no estaría el maestro haciendo lo mismo que les reprocha a los adoradores de falsos dioses, al colocar detrás del sujeto una fotografía con el fondo deseado para su toma. Responde airosamente el ponente que no, puesto que él ya tenía la idea "antes" de hacer la foto...

De manera que la validez de una fotografía, sea digital o analógica, depende de la previa concepción de la idea, no de la técnica, en este caso, del truco, utilizados. ¿Donde quedó el "purista" y empezó el "ilustrador"? ¿Cómo comprobar si el artista ya tenía la idea "antes" o la encontró "después" de experimentar? ¿Y a quien le importa? Recordemos algo mencionado más arriba: "La imagen obtenida con una cámara no puede simplemente constituir un fin en si misma, [ ] Es también punto de partida, un material para trabajarlo a fin de obtener un forma de expresión".

Hablando de las relaciones entre la fotografía y la pintura, Oscar Marín Repollet dice a propósito del retoque digital: "De algún modo este neopictorialismo con el tiempo se verá coronado por el concepto de aura, el tratamiento digital de la imagen permite ampliar su contenido simbólico".

Y esta es la verdadera cuestión en todo este discurso sobre el "purismo" y los "falsos dioses". El Concepto de Aura, creado por el filósofo Walter Benjamín en su libro "La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica", cuyo título conviene mucho a la fotografía. Para quien quiera romperse un poco más el cráneo sugerimos este sitio donde parece actualizado el tema o algo así: http://www.wbenjamin.org/obra_de_arte.html

De momento, parece que el concepto de aura se refiere a ciertas cualidades percibibles, no sólo tangibles, en la obra de arte. El aura sería: "una objetividad metafísica que se sobrepone o sustituye a la objetividad meramente física de la presencia material". Pero, sin profundizar tanto en cuestiones filosóficas, debemos considerar que los fotógrafos verdaderamente "puristas" son los que trabajan en el cuarto oscuro, utilizando materiales de laboratorio y película fotográfica en cualquier formato, produciendo sus fotografías de manera artesanal, por decirlo así, negándose incluso a recortar el negativo para lograr un mejor encuadre. (Y también menosprecian a los fotógrafos digitales, aunque pertenezcan a la "Only Raw").

Como pensando en este concepto del aura, la revista dice: "Hoy la fotografía gracias a los progresos realizados en el color, el relieve, la plastificación y la impresión en telas, que dan a las fotos una perennidad y una nobleza en el soporte que le faltaban, se encuentra en disposición de jugar un papel considerable en el desarrollo artístico de nuestra sociedad". Era el año 1973. Y hablando del soporte donde se imprime una fotografía, en la actualidad los fotógrafos digitales pueden recurrir a papeles de gran calidad para proveer de aura a sus fotografías, acompañándolas de un número de serie y su firma.

Y a quienes les preocupe verdaderamente la composición, recuerden las palabras de Edward Weston: "Una buena composición es sólo el medio de presentar con mayor intensidad al sujeto".

La mujer y el mar... la real irrealidad...

2010-07-16T15:03:00.023-05:00

"Una mujer y el mar siempre es un tema por demás sugerente y cálido", nos dice la revista de este "sandwich" de Gerard Laurent, quien encontró "la relación que entre ésta [la pintura] y la fotografía existe, ambas son expresión de un mismo arte visual y expresivo". Si creen ustedes que Gerard primeramente se interesó por la pintura están en lo correcto. Pero nuestro invitado de hoy se cubre la espalda antes de permitirnos aludir al reproche Baudelariano "Pero hay que aclarar que ya desde antes me gustaba mucho la fotografía como pasatiempo"... Bueno, se nos escapó.

Este fotógrafo reconoce la influencia de la pintura en su técnica: "Siento que mi formación artística me lleva a realizar composiciones un tanto pictorialistas". Es admirador de los impresionistas y los imita forzando la sensibilidad de la película "para obtener grano" en blanco y negro; los surrealistas lo llevaron a descubrir el "sandwich" en color: "mediante él se consiguen efectos insospechados, sugerencias vívidas de una real irrealidad..."

Referencias escolares hacen suponer su nacionalidad mexicana, a pesar del nombre sonoramente afrancesado. Y la red nos muestra la real irrealidad del nombre al devolvernos este link de un homónimo realmente francés: http://www.maisongerardlaurent.fr/index.html

Vemos en las galerías de la maison que lo único en común además del nombre son algunas mujeres de glamorosa melena ondulada, como las olas del mar.

Si se preguntaron al principio porqué "siempre" la mujer y el mar es un tema sugerente, hemos de decir lo siguiente: faltándonos el ingenio habitual de que hacemos gala en cada estrada, no nos queda otra para explicarlo que aprovechar la última frase, jalada por los pelos, del párrafo anterior. Más importantes que las olas del mar son las líneas onduladas asociadas con la belleza, como decía Hogarth. Y del mar surgieron Afrodita, encarnación de la Belleza, las Nereidas, las Oceánidas, Galatea en su concha. Y de la cabellera ondulada se mencionan a Mnemosine, las Hespérides y las Oceánidas de "hermosos rizos"... Todo esto según Hesíodo. La cátedra terminó. Espero haberlos ilustrado un poco...

También podrían preguntarse porqué Gerard Laurent coloca sus redes frente a la belleza impidiéndole emerger hacia su playa...

La composición de la fotografía y la descomposición de Witkin...

2010-07-01T18:35:00.045-05:00

Fue Robin Williams, como laboratorista fotográfico, el primer personaje de cine a quien vi utilizar una cámara en busca de su obsesión. Y su cámara fue la primera digital que conocí. También descubrí, de manera incidental, fotógrafos reales a través del cine. Joel Peter Witkin, por ejemplo.

En una película de terror y suspenso, la protagonista, estudiante de fotografía, hojea un libro con imágenes de la muerte. En ese momento de la historia, como el espectador, ella está muy interesada en el tema. Por eso, al detenerse la cámara un segundo en las manos de la fotógrafa se me grabó la palabra Witkin, escrita en el lomo del volumen.

Las fotos de sus cadáveres descompuestos y acomodados de manera tan esmerada son algo espantoso, pero transformado por la buena composición en arte maravilloso. Witkin está obsesionado con la muerte, también la heroina de la película. En su infancia, los dos sufrieron experiencias repugnantes que les sirven para crear lo bello con los materiales menos pensados para lograrlo.

"Puede hacerse una foto a un montón de libros o botellas de vino puestos sobre una mesa. Pero si se les coloca artísticamente y se ilumina bien, yo creo que por sí mismos son una válida realización". Esto afirmaba Stephen Lynch por el año 1973, fotógrafo invitado de nuestra vieja revista. Así que, miembros amputados o botellas de vino, todo vale mientras esté bien puesto.

Esta es una de sus composiciones.

"Pretendo con mi fotografía hacer una cración con cualquier sujeto" dice Stephen Lynch al lado de esta composición nostálgica, remembranza de las miniaturas de Vermeer (según él). Para lograr el efecto de "antigüedad" aplicaba "diversos tratamientos al film (enfriamiento y calentamiento rápido)". Imagínense, tanto proceso... y volvemos a lo mismo: ahora con el Photoshop basta con unos cuantos clicks... http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/el-primer-numero-se-perdio-veamos-el.html

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/04/visiones-creadoras-velocidad-increible.html

Aquí Witkin...

Si el Stephen Lynch de arriba es el mismo de aquí http://www.stephen-lynch.com/ podemos ver como se actualizó en las técnicas de difusión de su obra, pero abandonó su teoría de la composición con cualquier sujeto. En aquellos años comentaba refiriéndose al fotoperiodismo: "...Particularmente puedo decir que no disfrutaba en este trabajo, porque tenía la sensación de ser un simple espectador de los acontecimientos, y carecía de control sobre lo que fotografiaba". Esa rebelión ante la pasividad y la exigencia de control están ausentes en sus galerías actuales. Vemos en ellas ahora resignación y renuncia; ya no hay obsesión... O quizá simplemente cambió "su línea de trabajo"...

Se despide Stephen con un consejo: "... estudien en revistas y libros (cosa que hace este bloguero), y decidan después quién piensan es el más grande fotógrafo del mundo para después convertirse en su asistente" (tratándose de Witkin, ni estando loco).

Un fotógrafo sensible... y las clases sociales...

2010-06-10T09:10:00.021-05:00

Mitchell Funk "sentía" que algo faltaba en sus fotografías; la necesidad de distinguir sus imágenes con filtros, exposiciones dobles, sobreimposiciones con celofanes, transparencias y más... "lo más importante es crear sensaciones con el color y la composición".

Como "taxidriver" en Nueva York para sostenerse, encontró "cierta tensión en el aire", pues a los neoyorkinos les molestaba ser fotografiados. Los más hostiles amenazaron con cuchillos al fotógrafo.

En aquel tiempo -1972- la idiosincracia neoyorkina debía ser muy particular al respecto. Ahora, si lo mismo sucede en todo el mundo, será por causa de la globalización que todo lo iguala, pero más debido al internet. Aparecer en una página "maliciosa", por no decir pornográfica, es un temor involuntario de las personas más confiadas. Estas pueden ver imágenes de fraudes, chantajes, secuestros, etc., sugeridas por el noticiario de la mañana. Con el paso del tiempo, la gente desaparecerá del arte fotográfico a causa del temor a ser víctima de un crimen si se deja retratar... probablemente para el 2012, año apocalíptico. En las galerías de arte podrán apreciarse fotos maravillosas de paisajes, construcciones, animales, panorámicas... y de los amigos y parientes del fotógrafo.

La industria fotográfica deberá tomar medidas contra esto; si no, para qué querrá comprar cámaras el consumidor, si sólo podrá retratar a su gato y las plantas del corredor...

De momento, nos gustaría conocer la técnica del autor de este blog: http://onthecorner.com.ar/ ¿La idiosincracia argentina es más amable que la neoyorkina? ¿Será cuestión de clases sociales y no de paises? Tal vez Mitchell quería retratar trabajadores manuales portadores de cuchillos con mucho filo, gente de bajos recursos; en cambio, onthecorner toma fotos de transeuntes elegantes portadores de vestidos con mucho estilo, gente con buenos recursos. A menos que porten armas en sus bolsos de piel importada... En fin, que la sociología fotográfica nos ilustre un día...

Mitchell Funk tenía "tal sentimiento al hacer sus fotos, que no le importaba pagar el costo de las copias él mismo, para poder así mantener su libertad creativa". Y concluye la revista: "combina el espíritu del aficionado con la habilidad profesional. Esto podría ser una buena definición de lo que es un artista de la fotografía". Bueno, que así sea. Veamos ahora las "sensaciones de color" creadas por Mitchell en aquellos años. Después podrán descubrir cómo evolucionó su tecnica si visitan su propia página web. Este Mitchell es uno de los pocos sobrevivientes en activo y adaptado a las nuevas tecnologías...

No ponemos más. En su página encontrarán sensaciones saturadas de color como no han visto jamás: http://www.mitchellfunkart.com/

Podemos ver en sus galerías que fue hasta los noventas cuando se le pasó el susto de los cuchillos, pues empiezan a verse algunas personas en sus fotografías; aunque tienen las cejas fruncidas...

Como dijo Don Tiofilito (Teófilo Gautier): Quien no ha imitado nunca, no ha sido nunca original.

2010-05-25T17:47:00.006-05:00

"...muchas veces he encontrado fotos que llaman poderosamente mi atención ya sea por el ángulo, la composición o alguna otra cosa que me parece diferente y trato de hacer algo semejante. NO las copio o las repito, esto sería mentirme a mí mismo, únicamente trato de encontrar ese algo diferente y la mayor parte del tiempo lo consigo y los resultados me sorprenden; son tan diferentes que no se parecen en nada a la idea original." Según él mismo, Walter Rudolf Strecke practicaba el pastiche fotográfico con honradez y buenos resultados.

Esto puede contradecir la opinión sobre la falta de originalidad expuesta en este "post":

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/quince.html

Si el fotógrafo ve una fotografía de una cascada ubicada en el continente más alejado de su país, al tomar una foto desde el mismo ángulo, tratando de captar la misma composición, aunque quisiera no podrá copiarlas o repetirlas, ya que son dos cascadas completamente diferentes... Lo mismo debe pasar con las calles. Y sin esforzarse mucho logrará "ese algo diferente" debido tan sólo a las diferencias en el vestir de la gente, los adornos de las fachadas, etc...

Y como no somos dogmáticos ni convenencieros, ponemos la opinión de un fotógrafo español muy votado en Artelista: "Realmente en cualquier formato del arte los temas son siempre los mismos, sólo que cada autor y cada movimiento le aporta su visión personal.

No se.... se me ocurre por ejemplo la en la poesía el amor no correspondido, que es uno de los temas más usuales a lo largo de siglos y siglos... y no por ello es un tema agotado.

En la fotografía, pues cada uno conociendo el pasado le aporta cosas nuevas. Es cierto que fotos de calles donde se vean farolas y alguna ventana con las sombras de la luz del sol hay miles, pero es que hay que ser realista.... un contraluz con un escapa (doble) en diagonal siempre llama la atención, y si la gente que pasa aporta algo a la imagen, o hay algun elemento destacable que llene la foto mejor que mejor.

Yo por ejemplo mis fotos de agua las suelo hacer en unos cuantos ríos a los que voy de vez en cuando, y me doy cuenta que tiendo a hacer una y otra vez fotos en los mismos sitios con encuadres parecidos.... pero es que es lo que veo que tengo que fotograiar en ese momento, en lo que mis ojos me piden que fotografíe... eso si, despues nunca una foto es igual a otra, siempre hay algo que la hace diferente, la luz, la saturación, el encuadre,..." Pablo Álvarez Soria

Así, que tal vez tengamos que retractarnos por lo dicho en varias entradas del blog, ni modo.

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/en-el-tercer-numero-tenemos.html

De todos modos: ¡Viva el Uleosionismo y el Photoshop!

Seguimos con Walter Rudolf Strecke, de quien no hace falta decir que los robots de Google no lo conocen... "Cuando salgo a tomar fotos, no me detengo por mucho tiempo a observar el sujeto o el objeto deseado, simplemente lo estudio y le busco el mejor ángulo posible; creo que es una excelente manera de hacer fotografía". Y una pésima forma de expresarse... Ustedes recuerden que aprendimos a tomar fotografías con esta revista... y también a escribir... O cómo es que puede "estudiar" el sujeto sin "observarlo".

Es hora de ver los pastiches... las fotos de Walter:

La excusa para los pintores fracasados de Baudelaire...

2010-05-10T17:49:00.015-05:00

"...en ella [la pintura] no me sentí totalmente satisfecha, ya que mis manos no expresaban lo que en realidad sentía. Me estorbaban. No rendían lo que deseaba. No podían plasmar lo que yo veía." No sólo culpa a sus extremidades, sino que además se volvió fotógrafa por seguirle la corriente a su marido: "...simplemente para compartir la afición de su esposo". Afortunadamente "... en ella encontró una vía de expresión para sus inquietudes". Ahora, (en aquellos años) está "...en el camino de encontrarme a mi misma".

A ver si alguno de los cientos de seguidores del blog encuentra fotos o alguna mención de nuestra fotógrafa condescendiente aquí en google: Sylvia Barky.

En espera de sus respuestas seguimos con los comentarios expertos de ella: Cuando toma una foto "...lleva únicamente la sensación de lo que quiere plasmar; va abierta al medio ambiente para captarlo en cualquier forma y como se presente". Aquí algo interesante: "Detesto hacer arreglos (se refiere al trabajo en el laboratorio y en el estudio) porque la fotografía pierde su originalidad, que es lo que busco al fin y al cabo..." Entonces ni hablar del Photoshop...

En qué podemos quedar: la pintura es un medio incompleto, incapaz de expresar los deseos del artista; la fotografía es superior a la pintura porque sí lo hace... O como decimos en mi pueblo: cuando la partera es...

Sigan este blog. Las opiniones sirven para mejorar...

2010-05-06T17:31:00.011-05:00

En este número les presentamos el portafolio de dos fotógrafas:

Visa Kent, quien llegó a ser Jefa de los Salones Mensuales del Club Fotográfico de México, agudizó su sentido crítico gracias a "las opiniones, comentarios y críticas de los jueces de los concursos mensuales del club". Debido a tal agudización del sentido crítico, "a pesar de contar con un gran número de fotografías, le satisfacen sólo unas cuantas". Nosotros podremos tener miles y gustar de unas pocas sin mayor problema, gracias a la tecnología digital; ella seguramente las tenía ya hechas en papel, lo cual habla muy bien de su honestidad artística... Enseguida veremos unas para saber si tenía razón en sus preferencias o si le retiramos el reconocimiento a su honestidad; pues si estaba equivocada entonces sólo se trata de confusión. Claro, no podemos saber si las siguientes eran de sus favoritas...

Algo muy lamentable y muy natural ya en estos fotógrafos invitados es su ausencia o intrascendencia en internet. Visa Kent es una de las ausentes. Ni siquiera en la propia página del club donde fue "Jefa de Solones" figura su nombre. http://www.clubfotomexico.org.mx/

Seguramente la tendrán presente físicamente (es decir, sus fotos) en las galerías del club; como éste tiene sesenta años de vida, y tantos fotógrafos han expuesto sus trabajos en aquellas, esperemos que sus instalaciones sean bastante grandes...

La moraleja de esta entrada es esta: lean este blog con detenimiento pues los comentarios y opiniones de los fotógrafos aquí presentados pueden servirles para algo. Las críticas vendrán después, porque la revista ponía su sección de crítica también.

Bueno, van las fotos:

¿Qué creen, cuáles son las que le gustarián a Visa y cuales no la tendrían muy satisfecha?

Ver lo que es y no lo que debería ser...

2010-04-27T17:09:00.026-05:00

Si los fotógrafos que abandonaron la pintura (para no llamarlos más "pintores fracasados convertidos en fotógrafos") necesitaran un santo patrono tal vez deberían escoger a Thomas Eakins como tal. Y tal vez deberían seguir su ejemplo, también, pues el no renunció a una técnica por otra, sino que trabajó las dos, de muy buena manera, según los críticos. - Ya sabemos que Man Ray, Dalí, Picasso y otros más también, pero vamos con calma...-

Thomas Eakins pintaba "como si su pintura necesitase para ser hecha de un largo tiempo de exposición igual que las emulsiones lentas de su tiempo", porque le gustaba "representar el momento de inacción de su sujeto - un remero entre uno y otro golpe de remos, el pugilista en el momento de reposar entre los raunds-".

Walt Witman, pintado y fotografiado por Eakins opinaba de éste: "Yo nunca he conocido más que un solo artista que pudiese resistir a la tentación de ver lo que ellos creen que debería ser, en lugar de lo que es, y ese artista es Tom Eakins". Porque Eakins era un pintor naturalista.

"En los tiempos en que Eakins compaginaba fotografía y pintura, el mundo se conmovía con las exposiciones anuales de la Photographic Society of London, ya que los críticos no estaban seguros de si la fotografía era un arte o una ciencia, un poco de cada cosa o ninguna de ambas". Estamos hablando del año mil ochocientos y tantos. Vean esta interesante línea del tiempo encontrada buscando imágenes de Eakins en Google:

http://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/43.87.25

Algo curioso y muy común en estas búsquedas en la red es la repetición (copy paste) con que se construyen infinidad de blogs sobre el mismo tema. Chequen la biografía de Eakins en todos los sitios que encuentren y verán que dicen textualmente lo mismo. ¡En http://disderifotografia.blogspot.com le garantizamos contenido ciento por ciento exclusivo y original... no se deje sorprender...!

Notamos este detalle insignificante del plagio al por mayor porque ningún blog menciona la práctica fotográfica de Thomas Eakins, lo cual estábamos buscando... La manía de atesorar información en grandes cantidades sobre cualquier tema debe producir una satisfacción morbosa y bastante mediocre, supongo. (Igual que la manía de comentar los detalles más insignificantes sobre cuestiones ya superadas por las mentes más brillantes del planeta...ji.)

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/numero-once-y-grata-sorpresa.html

Regresando a la revista, dice "la búsqueda de temas más elevados que la mera reproducción ejerció particular atracción sobre muchos que hasta entonces se habían dedicado a la pintura y surgió entonces la desafortunada tendencia de hacer fotografías en vez de tomar fotografías". Las cursivas son nuestras...ja.

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/03/numero-veintiuno.html

Así, el pictorialismo fue una corriente muy mal vista por los redactores de la revista...O simplemente se refieren a la opinión de Walt Witman sobre aquello de "ver lo que ellos creen que debería ser -hacer fotografías-, en lugar de lo que es -tomar fotografías-".

¿Que hay detrás de una pintura?

2010-04-24T10:15:00.005-05:00

Hemos hablado mucho de los pintores fracasados convertidos en fotógrafos.

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/04/visiones-creadoras-velocidad-increible.html

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/03/numero-veintiuno.html

Para descubrir la causa de esta conversión se me ocurrió investigar que hay detrás de una pintura. Encontré que detrás de una pintura está la pared...

Visiones creadoras a velocidad increible...

2010-04-22T17:10:00.019-05:00

A Michael Powers la vida en California le era completamente ajena, por eso, decidió viajar a México y vivir allí hasta "apurar la última gota de las posibilidades artísticas". Como varios más de nuestros invitados, Michael Powers es un ausente en la red de Internet. Este amante del color no concebía la fotografía en blanco y negro como una realidad artística, ni siquiera como una posible elección para el fotógrafo: "percibir sólo la luz y la sombra en una gama de gris se me hacía inaceptable".

Michael decidió abandonar la literatura y la pintura por la fotografía, pues ésta tenía la capacidad de "transformar mis visiones creadoras en realidad, a una velocidad increible". ( ¿Otro pintor fracasado? )

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/03/numero-veintiuno.html

La velocidad de reproducción le fascinaba, ya que la pintura "no marcha al ritmo del siglo veinte". Tal vez por esto se inventó el Corel Painter; para ahorrar tiempo y esfuerzo a los artistas del pincel... Además de fascinado, Powers estaba maravillado por que podía "aumentar o eliminar algún color, combinar imágenes de diferentes negativos, añadir texturas, solarizar... las posibilidades son infinitas". Chet Morrison opina todo lo contrario: http://disderifotografia.blogspot.com/2010/02/algo-estimulante-al-fin-en-el-numero.html y Sandra Sue no parece resentida con los negativos como Chet, pero sí agradecida por las "layers" del Photoshop, pues "podía mezclar al infinito imágenes y alterarlas sin tener que cortar negativos ni pasarme horas en el laboratorio". Ella coincide con Michael en el ahorro de tiempo, por lo menos... http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/nada-en-el-nueve-pasamos-al-diez.html

Michael se despide con unas palabras de aliento para los artistas, animándolos a aceptar el reto de la fotografía, por que ésta "permite al artista mayor libertad y poder creativo en esta rápida evolución del siglo veinte".

De manera que el artista debe adoptar nuevas técnicas artísticas acordes con la marcha del tiempo... ¿Seguirá la fotografía el ritmo de este siglo veintiuno? Por lo menos, como dice Sandra Sue, ya no hay que encerrarse durante horas en el cuarto oscuro, basta con descargar las fotos en la computadora y la mitad del trabajo está hecha ¡en segundos! La solarización, por ejemplo, ahora se produce en un instante:

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/doce.html

¿En qué siglo habrán descontinuado la pintura? ¿Será suficiente la velocidad de producción de una obra de arte como criterio para decidirse por una técnica u otra? Mejor pasemos a ver cómo aprovechaba esta velocidad Michael Powers:

Cine vs Fotografía...

2010-04-11T18:25:00.009-05:00

Joe Bruno soñaba con dirigir sus propias películas, porque "éstas ofrecen más posibilidades de expresión que la fotografía y creo que es una progresión natural la que lleva de la fotografía a la cinematografía..." ¿Será una confusión mental creer que una forma de expresión artística es mejor que otra, sólo por que la nueva predilecta utiliza técnología inovadora? José Pacindo López consideraba la fotografía superior al dibujo; Joe la suponía inferior al cine. ¿Es una progresión natural también la que lleva del dibujo y la pintura a la fotografía?

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/03/numero-veintiuno.html

La red nos muestra la imposibilidad de los sueños de Joe Bruno; nada sobre él como director de cine, como fotógrafo tampoco... Ningún emocionante debate se ha iniciado todavía sobre el antagonismo entre cine y fotografía... desde el punto de vista de la supremacía...

Viendo las fotografías de Joe Bruno puede ocurrírsenos preguntar hasta que punto sería válido considerar el contenido de la red de internet como parámetro para medir la importancia y trascendencia artística de algunos fotógrafos, y en general de cualquier artista. Nombres como Cartier, Man Ray, Agnet, Witkin, Capa y muchos más nunca faltan; en cambio algunos cuyas fotografías parecen bastante buenas son por completo desconocidos (Entendiendo "desconocidos" como no encontrados en las búsquedas por internet). Y ya pasaron bastantes años desde su aparición en esta revista como para ser rescatados del olvido por algún estudioso. Claro, no estamos diciendo que Joe Bruno sea uno de ellos...

La oportunidad en la fotografía...

2010-04-11T17:35:00.004-05:00

Con gran emoción esperábamos encontrar fotos de asombrosa calidad artística en alguna galería virtual del fotógrafo invitado en turno, pero no hubo nada; Dieter Nevel es un absoluto desconocido en la red. "Para él, la fotografía es captar en el momento una situación irrepetible, ya que las luces, el ambiente, las condiciones generales nunca se volverán a presentar otra vez de la misma manera". Aparte de esta sucinta opinión, nos ponen un resumen extenso de su vida como aficionado a la fotografía: comerciante y reportero en el mundial de México en el ´70, grandes premios y juegos olímpicos para la revista alemana Kicker Sportmagazine.

Con tan pocas opiniones y comentarios del fotógrafo y la revista, mejor ponemos esos momentos tan "irrepetibles" captados por nuestro artista invitado:

Sin trucos por favor...

2010-04-11T13:27:00.009-05:00

Jorge Contreras Chacel era "enemigo del truco fotográfico", -considerando como truco la realización de sandwiches, solarizaciones y otras técnicas de laboratorio-, aunque aclaraba: "si no se ha planeado en el momento de tomar la foto".

Según la revista, "este concepto debe ser prevalente en la formación de todo fotógrafo". Jorge Contreras estableció un principio muy válido en fotografía: la visualización de la foto antes de realizarla.

Algo sobre lo que ya habíamos encontrado opiniones en otro número:
http://disderifotografia.blogspot.com/2010/02/veinte-y-la-continua-experimentacion.html

Jorge no quería que la fotografía fuera "producto de la casualidad o de una afortunada combinación de recursos, sino la culminación de una meditada preparación y realización". Qué pensará una de nuestras fotógrafas favoritas sobre esto, cuya opinión es:

"Habitualmente, el proceso creativo comienza a partir de un concepto o idea que plasmo en imagen a través de la fotografía, a continuación, paso al Photoshop donde el concepto pierde fuerza y la plasticidad, la búsqueda por satisfacer un sentido muy personal de la estética, es lo único relevante." Asun Aparicio, http://asunapariciofotografia.blogspot.com/

"La búsqueda por satisfacer un sentido personal de la estética" (sin tener aun la imágen final en la mente) podría dar como resultado "una afortunada combinación de recursos" en el Photoshop. Podemos comprobarlo visitando el blog de Asun. Y a propósito, es la última vez que la menciono, lo prometo.

Jorge insiste en que "el fotógrafo debe tener un concepto previo de la fotografía". Pero él entendía "concepto" como una imagen ya formada del resultado final, es decir, ya sabía cual sería su fotografía. Asun Aparicio empieza con un "concepto", pero entendiendo la palabra como una idea, no como una imagen, la cual encontrará después en el Photoshop, combinando los recursos de este programa. Realmente, las dos posturas son útiles para cada quien, pero lo importante es el resultado final.

En este link encontramos un elogioso comentario sobre la personalidad de éste fotógrafo vidente:

http://www.difusioncultural.unam.mx/index.php?option=com_content&task=view&id=1400&Itemid=172

“Contreras Chacel era un fotógrafo meticuloso. Conocía a la perfección el funcionamiento de sus cámaras, dominaba el comportamiento de la luz y controlaba al detalle el trabajo de laboratorio. Procuraba la excelencia en sus composiciones, sus iluminaciones y sus impresiones. Sin embargo, lejos de ser rígido y acartonado, era espontáneo y gustaba del juego y la improvisación [¿se puede improvisar cuando ya tienes en la mente un "concepto previo de la fotografía?]en su trabajo. Siempre enterado de lo que acontecía a nivel mundial política, económica, social y culturalmente, [Sin embargo, "afirma(ba) desconocer a los fotógrafos mexicanos", según la revista; y bueno, tenía 25 años apenas en esos tiempos.] su conocimiento de la historia de la fotografía y el arte era vasto. Era un fotógrafo en toda la expresión de la palabra.”

Si quieren ver más fotos de este fotógrafo que alardeaba de su formación en la Famous Photographers School, descárguense un bonito PDF desde aquí:

http://www.revistadelauniversidad.unam.mx/0704/contenido.html

Y aquí unas muestras de sus conceptos previamente visualizados:

Esencia y trascendencia...

2010-04-07T16:25:00.010-05:00

Domingo Hurtado del Río buscaba [al hombre] en "momentos trascendentes donde la proyección es más individual, más personal, en esa soledad cósmica que se expresa dramáticamente en un sol que comienza a ocultarse para abstraerse él también, donde lo cercano se opaca, para quedar el horizonte de los sueños y las ambiciones , más nítido y despejado"

Aquí está el "horizonte de los sueños y las ambiciones más nítido y despejado" de Domingo Hurtado.

Cardiólogo de profesión, figura en el consejo editorial de esta revista:

http://www.scielo.org.mx/revistas/acm/eedboard.htm

Lamentablemente, sigue la costumbre del ostracismo cibernético como la mayoría de los fotógrafos invitados de esta revista. Veamos el resultado de su búsqueda del hombre en soledad, a quien procuraba no "disturbarlo en su abstracción" utilizando dos lentes, uno de 105 mm y otro de 180 mm., para "ajustarse al cumplimiento de uno de los axiomas fotográficos enunciado por uno de los maestros mundiales: - si la foto no es buena, es que no se está suficientemente cerca- (Weston)." Para Hurtado "tal principio es norma"...

Estas dos últimas les recuerdan sin duda las de este número:

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/nada-en-el-nueve-pasamos-al-diez.html

Momentos "trascendentes"; proyección "más individual, más personal"; soledad "cósmica"; todo esto expresado "dramáticamente"... Esos momentos trascendentes ¿serán lo mismo que la "esencia" del momento de Jorge Barquet?

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/01/dieciseis-y-lo-esencial-de-la.html

Esencia y trascendencia, aquí tenemos dos conceptos para capturar con la cámara. La esencia es "aquello que constituye la naturaleza de las cosas, lo permanente e invariable de ellas". ¿Si buscamos captar la esencia de un momento somos realistas, naturalistas? Y si nos interesa la trascendencia: "quello que está más allá de los límites naturales y desligado de ellos." RAE, ¿somos idealistas?

Pero esencia y trascendencia también significan lo más importante de las cosas; una es un estado, la otra es una consecuencia. En todo caso, hablamos de objetivismo y subjetivismo. Podemos representar la esencia de manera subjetiva, para resaltarla más... Después de esta reflexión tan profunda, volvamos a la soledad del hombre... Bueno, mejor ahí la dejamos.

Ser o no ser artista...

2010-03-22T20:12:00.018-06:00

Jaime H. Carrillo trabajó nada menos que en un laboratorio de la Kodak para convertirse en "alquimista de la imagen". Ya ni mencionar su ausencia en la red. En la descripción de su personalidad se dice que "combina en buena parte la calidad artística con el saber del químico, [] una extraña combinación". Y el redactor se abalanza de inmediato al análisis de su obra: "En sus trabajos trata de encontrar siempre algo fuera de lo convencional, desbroza caminos inexplorados tras algo que a simple vista no puede verse pero que sin duda es una obra de arte". Quiere decir que encuentra puntos de vista inhabituales en las cosas y las convierte en buenas fotografías... Este fotógrafo quería "lograr fotos diferentes de algo que siempre es visto desde el mismo ángulo, aunque en realidad [] trata [de] proyectar su propio punto de vista". ¿No es lo mismo?

"...captar la imagen de lo que el ojo bisoño no ve y transportarla al papel de tal modo que impresione al observador" el la idea de Jaime H. Carrillo sobre la fotografía.

De esta foto nos dicen: "Mediante entonadores Carrillo consiguió dar una textura de color única a esta foto. La habilidad está en que el virado se realizó con tres entonadores distintos y por consiguiente en tres etapas distintas de revelado. Los entonadores utilizados fueron el sepia, el azul y el naranja". La fotografía original era blanco y negro. Cuanto trabajo nos ahorra el Photoshop...

¿Combinar la calidad artística con el conocimiento técnico no es algo inherente a cualquier artista? ¿Cómo se puede conseguir la calidad artística sin la habilidad técnica? ¿Podría considerarse habilidad técnica el manejo de un "sofware" para producir imágenes, como el Photoshop, y puede considerarse dicha imagen poseedora de calidad artística?

Libros en el número veintitrés...

2010-03-21T19:11:00.007-06:00

THE COMPLETE PHOTOGRAPHER, por Andreas Feininger. Editada por Thames and Hudson.

Resumen de muchos años de práctica y conocimiento de un fotógrafo completo...

Por sólo Usd. $ 3.94 lléveselo aquí: http://www.amazon.com/Complete-Photographer-Andreas-Feininger/dp/0131622552

EVE NOIRE, Hans Leuenberger. Editado por Hans Reich Verlag de Munich.

Lástima, un tesoro perdido, ninguna librería cibernética lo tiene.

Fotos de la mítica mujer africana con sus gestos, tradiciones y costumbres. Recoge desde el tatuaje y las pinturas corporales primitivas del Camerún y de los dos Congos, hasta las mujeres uniformadas de Accra, las profesionistas de Nigeria o las modelos de color de Londres y París.

Cuanto tarda la tecnología...

2010-03-21T17:39:00.011-06:00

Las fotografías en color de este invitado nos gustan mucho por su sencillez y armonía. Se llama Agustín Navarro Vázquez, y sólo encontramos menciones de aciaga memoria en sitios políticos y partidistas. Si no es un homónimo, entonces era lider de un grupo de choque en 1961 y después presidente del Club Fotográfico de México en 1971. Tal vez en diez años descubrió que golpear estudiantes no era lo suyo y mejor se dedicó a fotografiarlos...

Bueno, veamos sus obras:

El licenciado Agustín Navarro Vázquez "se ha especializado en series de transparencias a color, acompañadas con música..." Que tal, aquí tenemos un precursor de los programas para hacer "slideshow" con las fotos. ¿En qué año se habrá producido el primer video de fotos con un programa para computadora? ¿Cuantos años tarda la tecnología en perfeccionar una idea? ¿Será por razones de mercadotecnia que retrasan la fabricación de nuevos productos aunque ya sean factibles? ¿Hace más de treinta años hubiera sido posible la fabricación de algún aparato para ver fotografías en la televisión? ¿A alguien le interesa esto...?

Lenguaje funcional o poético y la crítica...

2010-03-19T19:33:00.023-06:00

“La fotografía de José Luis Neyra detiene sin impedir. Su labor es de asistencia, se refrena para mejor abrazar lo que mira. Neyra es un fotógrafo del camino, de las brechas, de las calles y carreteras. Uno adivina su marcha en la marcha de sus objetos...”

NEYRA, JOSÉ LUIS
Al paso del tiempo
Presentación de Jaime Moreno Villarreal.
México Fondo de Cultura Económica, 1987.
61 pp. Fotografías en B/N. 21 x 27.5 cm.
Col. Río de Luz, ISBN: 968-16-2640-0

http://www.fabricadeimagenes.com/LIBROSFOTO/FICHAS/Neyra.htm

Nuestro fotógrafo invitado dejó huella sin duda, en todas esos caminos, brechas, calles y carreteras...

Veamos unas muestras de sus andares:

Dice la revista: "El drama cotidiano adquiere dimensiones de epopeya a través del crudo testimonio fotográfico".

"El montaje de dos transparencias permite conseguir el efecto de los sujetos desplazándose entre una lujuriante vegetación".

"El retrato de Eva se destaca sobre una pared donde se dibujan unas manos dramáticamente abiertas".

"Conmovida la niña por el momento solemne que está viviendo, deja traslucir su estado de ánimo".

Jaime Moreno Villarreal es un poeta y ensayista mexicano, autor de la introducción del libro mencionado al inicio de esta entrada. "Detiene sin impedir", dice del arte de Neyra. Me imagino que "retiene" la atención del espectador sin "impedir" el vuelo de la imaginación de este... O sea que sus fotos son interesantes y sugerentes. Lo cual es la intención de cualquier obra de arte. "Su labor es de asistencia[?], se refrena para mejor abrazar lo que mira". Suponemos que estudia con calma el mejor ángulo, punto de vista, para capturar del mejor modo el paisaje, el sujeto, etc. En cuanto a la labor de asistencia... ¿será social?

Vemos así como el lenguaje crítico puede hacer más interesante la fotografía y cualquier otra forma de expresión artística... En adelante usaremos la perífrasis para referirnos a las fotografías de todo autor fotográfico invitado por esta revista de antaño perteneciente a la colección añeja de nuestro buen ancestro... O por lo menos la construcción nominal.

Libros viejos...

2010-03-18T16:30:00.030-06:00

Lucian Clergue recoge el nacimiento de venus. Cuerpos femeninos bañados por la espuma del mar...

NEE DE LA VAGUE, (Born of the Waves). Editado por Corgi Books, una división de Transworld Publishers de Gran Bretaña.

Con este libro iniciamos la nueva sección de este blog: Libros Viejos... (muy original, sin duda). Anuncios de libros que se vendían allá por el año setenta y tantos. Si alguien los consigue en español, por favor escaneenlo y subanlo a cualquier sitio para poder descargarlo.

Aquí un enlace para comprarlo: http://www.amazon.com/Nee-Vague-Lucien-Clergue/dp/B000KD7T5G

y otro más:
http://esp.ebay.com/viewItem?item=180476032029&v=gbh

La Wiki nos habla del autor y su libro: "Sin embargo fue la serie «Desnudos en el mar» realizada en 1956 la que le proporcionó mayor prestigio, ya que en élla realizaba una innovación en la fotografía erótica".

Y google nos presenta una galería muy interesante donde se exhiben sus obras, tal vez sean imágenes de este libro: http://www.saretgallery.com/20th_clergue.html

Una muestra del talento frances de Lucien:

Niños de muchos paises cuyos rostros fueron registrados por muchos fotógrafos. Entre ellos Cartier-Bresson, Ernst Hass y muchos más...

CHILDREN OF MANY LANDS, compilación de Hanss Reich. Colección Terra Mágica. Textos en inglés.

Este enlace nos explica que no lo tienen en existencia... http://www.amazon.ca/Children-Many-Lands-Hanns-Reich/dp/0809015153

No encontramos enlaces muchos donde lo vendan...

Instrucciones para la realización de la fotografía en color, con información sobre las cámaras y las películas, además sugestiones para tomar fotos en color con las más avanzadas técnicas... de aquellos tiempos...

Andreas Feininger nos presenta : THE COMPLETE COLOUR PHOTOGRAPHER. Editado por Thames & Hudson de Londres. Textos en inglés.

Este enlace es increible: lo tienen por $ 0.96 Usd. http://www.amazon.com/Complete-Colour-Photographer-Andreas-Feininger/dp/0500010617

Alguien cómprelo y súbalo al instante...

Y en el Tec de Monterrey, que tal... http://millenium.itesm.mx/search~S63*spi?/cTR+510+.F43+1969/ctr++510+f43+1969/-3%2C-1%2C0%2CE/frameset&FF=ctr++510+f43+1969&1%2C1%2C

y aquí: http://www.flipkart.com/complete-colour-photography-hashmi-hindi/8181336798-7v23f9krx2

Wikipedia presenta un sucinto resumen de la vida de este autor, pero no menciona obras en especial: "emigró a Estados Unidos en 1939, donde trabajó para la revista Life y produjo sus primeras imágenes exitosas, en ese momento centradas en la vida urbana de Nueva York".

Esta es famosísima:

Bueno, damos por terminada la reseña de esta semana... Esperen la nueva sección "Cámaras Viejas"...

Pintores fracasados...

2010-03-16T19:11:00.028-06:00

Dos fotógrafos invitados: Cesar Rodas del Vallle (en color) y José Pacindo López (en blanco y negro). Los paréntesis indican sus técnicas favoritas. Del primero no hay rastros en la red; del segundo...tampoco. Las obras del primero engalanaban "las páginas de las más importantes publicaciones del país vecino. [Guatemala] Su obra es conocida en los medios fotográficos mundiales por la gran cantidad de premios internacionales y nacionales que ha cosechado..." Bueno, de tanta fama mundial tan galardonada no queda nada... "La especial luminosidad de sus paisajes y el exacto sentido de composición cromática hacen que, en sus fotografías, las más sutiles tonalidades de color adquieran relieves magistrales". Como pueden ver más abajo, la decoloración de las páginas por el tiempo y el escaner de la multifuncional que utilizo han destruido el exquisito tesoro de semejantes sutilezas.

"Del dibujo a la fotografía, para de ese modo redescubrir nuevas tonalidades del blanco y negro". Para este fotógrafo-dibujante la fotografía es "una nueva forma de expresión más completa". "Las luces y las sombras en la ajustada realidad del registro fotográfico han sido su descubrimiento". Estamos hablando de Pacindo, para quien "la fotografía es una forma más de dibujo, [] y una y otro se mezclan como formas de expresión completas en sí y a la vez complementarias". Con todo este caudal de estética fotográfica el buen Pacindo ha quedado desdibujado en el recuerdo...

¿Cómo debemos entender: la ajustada realidad del registro fotográfico? ¿Se refiere a la buena definición de una imágen? ¿A los límites de la creatividad del fotógrafo? ¿De qué manera puede ser una forma de expresión más completa si está muy ajustada? Más bien debemos entender que el dibujo y la fotografía son dos formas de expresión diferentes, pero ninguna más completa que la otra. Los fines del artista le indican cual debe utilizar en cada caso. Quizá Pacindo como dibujante no lograba "plasmar" con el lápiz toda la gama de luces y sombras obtenidas por la cámara de un sólo click. ¿Qué haría hoy con el Corel Painter si se lo pusieran en las manos? Tal vez clonaría las fotos para convertirlas en dibujos... ¿Estaremos hablando de uno de esos pintores fracasados "cuya incapacidad se refugia en la fotografía" como los llamaba Baudelaire?

http://disderifotografia.wordpress.com/2010/03/25/el-artista-adolescente/

El éxtasis y la inspiración...

2010-02-07T16:23:00.032-06:00

En realidad, José Luis Bolado no era el fotógrafo invitado sino Jorge Cappon... La red nos muestra opciones de congresos, doctores en sicologia, Ph D, maestros de la UNAM, libros de sicoterapia en grupo y mucho más, pero nada sobre fotografía... Jorge Cappon era sicólogo de profesión, esperemos que sea el mismo PhD de la red; parece muy erudito aquí:

http://www.springerlink.com/content/hk6247214074j718/

Fotógrafo por afición, participó limitadamente en concursos para amateurs sin buscar nunca nuevos horizontes... "La fotografía es para Cappon un gran pasatiempo y nunca un trabajo profesional". Bueno, ha de ser esta la razón de su intrascendencia cibernética como fotógrafo.

Según Cappon, "el fotógrafo adquiere una dimensión de actor ya que,[] la fotografía es la expresión de la propia emoción y en esta forma de ver la fotografía se engloba por lo tanto todo, ya que en su consecución el fotógrafo pone algo de sí mismo".

Veamos las emociones expresadas por Cappon:

Al mirar sus fotografías, a Cappon "le asalta la remembranza del estado de ánimo en que se encontraba en el momento de hacer la toma en que llegó a la concepción de esa fotografía..." ¿Qué dijo? Este redactor se distraía de vez en cuando... Cuál será la emoción despertada por un brazo y una pierna enmarcando las cataratas. ¿Tal vez quería sentir que se compenetraba con la naturaleza al unir su cuerpo con el paisaje? ¿Simplemente está sintiendo la brisa agradable en su cuerpo y ese recuerdo es lo que deseaba conservar? Hay que reconocer la existencia de emociones sencillas muy dignas de reproducir en cualquier forma de arte; no todo es sublime o extraordinario. No podemos vivir en éxtasis constante o perpetuo, los nervios se desgastan... De esto el Dr. Cappon sabrá más que nosotros.

Regresando a: "le asalta la remembranza del estado de ánimo en que se encontraba en el momento de hacer la toma", debemos diferenciar entre nuestro estado de ánimo en el momento de disparar y la emoción que deseamos expresar. Si logramos la expresión es debido al dominio de la técnica y no al éxtasis sentido al oprimir el botón...

La continua experimentación...

2010-02-07T13:38:00.028-06:00

"Una habil utilización de la luz y una continua preocupación por la experimentación definen la fotografía de Bolado".

José Luis Bolado, "puntal" de la fotografía mexicana. Forzando la búsqueda en la red por puro escozor patriótico (no encontramos nada únicamente por el nombre), descubrimos sólo una pequeña mención en la grata historia de la universidad veracruzana: "Otros grandes docentes fueron José Luis Bolado (Fotografía)...",

http://www.contactox.net/index.php?option=com_content&task=view&id=334&Itemid=53

Esta última se titula "Luces", y dice la revista: "como marco al retrato, sirven las líneas luminosas realizadas en el momento de la impresión. El efecto es muy atractivo".

Y la de arriba se llama "Caballos"; la redacción opina: "La experimentación en el laboratorio es un puntal fundamental en el desarrollo la fotografía. El fotógrafo debe saber lo que puede hacer con su negativo desde el momento en que se encara al sujeto".

Todo fotógrafo debería conocer la técnica desarrollada hasta el momento, por decirlo de otro modo. Pero también es válido, y muchos artistas lo hacen, no sólo fotógrafos, empezar una obra sin saber cual será el resultado. Porque si no, no habría razón para experimentar...

Con la fotografía digital esta experimentación puede alcanzar... mejor dicho, no puede alcanzar ningún límete, excepto el de la imaginación del fotógrafo. El negativo tenía los suyos en el aspecto físico de la manipulación; y la imaginación debía conformarse a ellos. Quizá tenga razón Chet Morrison en su frustración y resentimiento... http://disderifotografia.blogspot.com/2010/02/algo-estimulante-al-fin-en-el-numero.html

En este punto del comentario descubrimos consternados que Asunción Aparicio retiró su declaración de princios de su blog, en el cual veníamos apoyándonos (¿escudándonos?) para respaldar nuestros puntos de vista. Esto es lo malo de los medios digitales: pueden ser muy volátiles...

Asunción decía: "Habitualmente, el proceso creativo comienza a partir de un concepto o idea que plasmo en imagen a través de la fotografía, a continuación, paso al Photoshop donde el concepto pierde fuerza y la plasticidad, la búsqueda por satisfacer un sentido muy personal de la estética, es lo único relevante."

Esperemos que sea solamente un descuido por la última actualización. Mientras, Sandra Sue nos respalda en forma impresa, así ella no podrá retractarse. Revista DigitalFoto, número 57. MC Ediciones...

"Era mi contestación a mis esfuerzos con las diapositivas (el Photoshop). Podía mezclar al infinito imágenes y alterarlas sin tener que cortar negativos ni pasarme horas en el laboratorio."

Después de esta divagación, ¿a que podemos llegar regresando con Bolado? Ah!, sí, la continua experimentación...pues sí no?, hay que experimentar... chinga, porqué quitó eso Asunción?...

Frustración y resentimiento...

2010-02-06T17:13:00.019-06:00

Chet Morrison dice: "yo pienso que como fotógrafo soy diferente a otros con los cuales he estado en contacto". Que es de lo que se trata en el mundo del arte: ser original. Bueno, después de esta introducción tan profunda, veamos que hay en la red...

Nada menos que su propia página, http://www.morrisonstudio.com/, y en about pone:

After growing up in Brooklyn, New York and graduating college in Vermont, I moved to Mexico City where I began my career as a commercial advertising photographer. After enjoying a successful career in Mexico for six years, I returned to the States in 1977. I chose Dallas as my new home base and opened Morrison Studio, Inc.

Aunque no dominamos el idioma inglés podemos suponer que es el mismo fotógrafo de éste número de la revista, por las fechas, solamente. Y porque dice que vivió en México, claro.

Traducido un párrafo en google traductor obtenemos esto: "En 2004, decidió retirarse de la publicidad comercial, vendí mi negocio, y comenzó a trabajar a tiempo completo como un artista de bellas artes en el ámbito de la fotografía digital. Mi trabajo actual nació de la frustración que sentía por haber sido obligado por los límites del proceso fotográfico tradicional. Me inspiré de romper con la grabación de la realidad y el cambio en el reino de la imagen digital. No pude tener la libertad de combinar mi fotografía original con las fotografías del pasado para crear un mundo de fantasía de mi propio diseño".

Por lo anterior podríamos asegurar que Chet Morrison se ha adherido a la causa del Photoshop. Si no es así, culpen al traductor del google por la mala interpretación de sus palabras. Frustración declarada y resentimiento insinuado "por haber sido obligado", son el resultado de una larga tiranía analógica. Desde los años setentas hasta el año 1987 por lo menos, fecha de aparición del Photoshop, Chet Morrison luchó constantemente contra los negativos y diapositvas para liberar su Neoexpresionismo fotógráfico, según califica la revista su trabajo.

En fin, veamos su trabajo de aquellos tiempos:

Vemos como Chet se desempeñaba muy bien con la técnica del sandwich. Ahora, con el Photoshop esto se reduce a... bueno, ya lo hemos dicho antes...

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/01/dieciocho.html

"...obligado por los límites del proceso fotográfico tradicional". Nos parecen interesantes las fotos de arriba y, para la época, debieron serlo de verdad. Pero, podríamos preguntar ¿porqué se siente frustrado por lo hecho en el pasado con los medios disponibles en su momento? La aparición de técnicas nuevas no es excusa para renegar del trabajo realizado mediocremente con anterioridad; como tampoco es garantía de buenos resultados en la actualidad. Los buenos fotógrafos de hoy y de todos los tiempos han logrado fotos muy buenas sin contar con el Photoshop.

Bueno, si quieren ver el producto de la frustración y el resentimiento, visiten su página web.

Es facil el camino desde ahora...

2010-01-07T13:51:00.037-06:00

Y nuestro fotógrafo invitado alardea con la técnica del "sandwich". Bill Parsons es el autor de esta fotografía:

Dice la revista: "el sandwich en fotografía es un arte, en este caso es un alarde técnico".

Ahora con el Photoshop el alarde técnico se reduce a encimar dos o más capas y listo. Siempre mencionamos este programa por ser el más completo y popular, pero hay muchos más...

En un nuevo sitio llamado Ncuadre Magazine, también hay edición impresa y digital como revista, encontramos en su foro el siguiente comentario del administrador:

" Soy comprador y lector compulsivo de multitud de revistas de fotografía y otras materias, desde hace unos años, en muchas publicaciones técnicas me encuetro la sección de "tips", por ejemplo, en revistas de foto, trucos para conseguir tal acabado o tal otro.Me da la sensación que intentamos ahorrar tiempo en el aprendizaje, ¡y eso es fatal!.Es fatal porque al final vemos cientos de fotos clones unas de otras (con mayor o menor acierto), pero sin ningún tipo de significado, sin alma ni sensaciones, ...y de originalidad ni hablamos..., da la sensación de ver los trabajos de una escuela de fotografía.No es que esté en contra de que se manipulen las fotos en "photoshop" o similares, pero cada vez me gustan menos los sobre-procesos, parece que cualquier foto mal hecha se pasa por ciertos filtros, se le procesa por capas varias y..., ¡ya tenemos un fotón! , y me temo que no, que por mucho que nos empeñemos, de una foto mal hecha, por muy bueno que sea el photoshop no saldrá nada.Aprender requiere su tiempo y esfuerzo, no nos engañemos, y a base de trucos podremos copiar alguna foto "resultona", pero no creo que así consigamos La Foto, ni tan siquiera disfrutar de nuestra afición"

No creemos que "ahorrar tiempo en el aprendizaje" sea malo por si mismo; pero con los programas de edición como el Photoshop se ahorra tiempo en el proceso, no en el aprendizaje. Y sí creemos que es "fatal" por que "al final vemos cientos de fotos clones unas de otras"; pero si no te dejas confundir por los "filtros" y las "capas varias" reconoces una buena foto entre muchas mediocres. Las buenas fotos tienen "significado", "alma" , y producen emociones, además de "sensaciones", y tienen que ser originales... El aprendizaje es intelectual, el proceso es mecánico; para hacer algo bueno en éste se necesita haber adquirido el primero. El administrador del sitio mezcla dos conceptos diferentes. Estamos de acuerdo en una cosa, las imágenes parecidas se han multiplicado tanto, que la originalidad parece dificil de encontrar. Tal vez lo que debemos hacer ahora sea esforzar más nuestra imaginación para captar la intención de los fotógrafos digitales.

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/en-el-tercer-numero-tenemos.html

Un miembro de Ncuadre responde al administrador:

"Tienes mucha razón, una foto mal hecha así se va a quedar. Pero no nos engañemos, un poco de color, saturación y efectos esconden para algunos los defectos de encuadre, composición... Es como flipar con u PC "tuneao" De todas formas a ojos expertos no engañamos. También está el efecto novedad. Cuando uno descubre el photoshop.... madre mía, es como ver el cielo y se toca y retoca y requetetoca... hasta que te cansas, mareas y vuelves a poner los pies en el suelo. Es lo que pasa con los que descubren el "efecto Dragan" y lo aplican a la foto de la suegra pobres; o el alisado de la piel y nos dejan a sus modelos como de plastilina, en fin".

http://www.ncuadre.net/blog/nuevos-metodos-de-aprendizaje.html.

Aquí está la solución: "a ojos expertos no engañamos". Debemos ser expertos, es decir, aprender mucho para ver la calidad en una fotografía, sea digital o analógica. Por eso le recomendamos al adiministrador del nuevo sitio que no se desanime y siga con su proyecto, porque ya nos dimos de alta en él para ver si un día nos publican algunas fotos "manipuladas" en el Photoshop...

Surrealismo y poesia...

2010-01-02T13:01:00.029-06:00

Dominique Gerard, otro desconocido por los cibernautas... Nada tampoco de una galería donde exhibió su obra en los setentas: "Galerie de Beaune". A Gerard le gustaba la fotografía como expresión poética de la realidad. "La moda y la publicidad son dos caminos estrechos para llegar a captar esa real irrealidad". Sigue: "Algunos buscan permanecer fieles a la realidad y mediante este acto de integridad personal esperan hacer participar de nuestro mundo al espectador rodeándolo de esa verdad universal que contempla. Otros, menos inquietos por este deseo de reproducción fiel, tratan, a través de sus imágenes, de aportar un nuevo sentido poético a la realidad".

Estas son sus fotos, donde la moda y la publicidad se unen para captar esa "real irrealidad":

Qué imágenes maravillosamente poéticas habría conseguido este Dominique Gerard con el Photoshop...

Jeffery Scott no tiene nada que ver con la moda pero no encontramos algo más parecido. Y las que siguen son de Max Souco, que tampoco son de moda pero sirven para entender el concepto poético de Dominique Gerard (por la manipulación de la escena...)

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/en-el-tercer-numero-tenemos.html

En 1948, Philippe Halsman realizó esta fotografía; para lograrla utilizó a cinco personas sincronizadas junto con Dalí. "A la cuenta de tres, los asistentes lanzaron los gatos y el balde de agua. Al llegar a cuatro, saltó Dalí, en tanto otro asistente bajaba bruscamente el piso del set, lo que da el efecto de levitación de los muebles". Hoy el Photoshop nos libra de estas piruetas. Dominique Gerard sólo tenía su poética imaginación.

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/quinto-numeromejor-pasamos-al-sexto.html

Lo esencial en la fotografía...

2010-01-01T11:24:00.037-06:00

"La buena fotografía depende de la capacidad de ver, especialmente de ver lo esencial. En cualquier momento hay multitud de imágenes que danzan a nuestro alrededor y que podemos fotografiar.

La práctica de fotografiar lo esencial es lo que puede ayudarnos a tomar las fotografías en forma precisa. Al mismo tiempo, es solamente esto esencial lo que da a la fotografía un valor que va más allá del gusto personal. Este elemento, el de ser sensible a lo esencial de una situación visual y ser capaz técnicamente de fotografiarlo, es lo que proporciona importancia real a la fotografía como medio de expresión y comunicación".

Según la revista, Jorge Barquet era arquitecto, pero de seguro se dio una vuelta por la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM... Bueno, nada en la red sobre este fotógrafo.

"Lo esencial de una situación visual". Entonces, si queremos hacer fotografías importantes, lo primero que deberemos ver es la calidad de ese momento, después, su esencia. Así, hay que fijarse en momentos importantes para captar esencias importantes. Una vez descubierto el momento, ¿cómo sabremos cuál es su esencia? Rápidamente acudimos a la Wikipedia: "la realidad persistente de un ser a través de las modificaciones de sus accidentes".

¿Cuál puede ser la importancia de un paseo por el parque? ¿Cuál será su esencia?

Etapas de la vida, desde la despreocupación por las relaciones sentimentales, pasando por el inicio de ellas hasta su afianzamiento...

Aquí están bien claras: la vejez se dirige a las sonbras, el ocaso; la niñez jugando al sol, el amanecer.

En esta foto molesta un poco la línea pegada en la cabeza del niño. Además de comprender la esencia, se debe captar el instante; "El momento decisivo", como decía Cartier-Bresson. Tal vez si el fotógrafo hubiera esperado un segundo, el niño se hubiera aislado sobre el pavimento sin rozar la línea de la jardinera. No habría problema con el anciano, suelen caminar despacio...

Calles vemos... fotógrafos no sabemos...

2009-12-30T20:07:00.026-06:00

Invitado especial: Antonio Mariné Vilá - Fotógrafo de la Luz - (¿Será pleonasmo?) Ninguna mención en internet, excepto una galería en Flickr. http://www.flickr.com/photos/antoniomarine/

Nos gustan sus conceptos fotográficos: idea, técnica y composición. La primera consiste en temas sencillos de facil interpretación; en la segunda intenta lograr una amplia gama de grises sin pérdida de contrastes; la tercera es de tipo clásico, "aunque no duda en romper las reglas para lograr un buen resultado". Parecen más claros que los del maestro Lázaro Blanco: el cuidado, la oportunidad, la presición del momento y la definición... http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/numero-trece-al-fin.html

Aquí una foto de Antonio Mariné Avilá:

y otra calle a contraluz de Michael Busselle:

y... Stefan Moses

Las farolas y la bandera o estandarte que penden de las fachadas sobre los transeuntes ¿serán elementos esenciales de las calles e inevitablemente incluidos en las tomas?, o el fotógrafo los encuadra con toda intención por necesidades estéticas de equilibrio y esas cosas... Curiosamente, las fachadas de la izquierda no presentan esos objetos, execepto en la segunda. A la derecha, el perfil vertical de las fachadas; a la izquierda, fachadas vistas de tres cuartos se alejan en diagonal hacia la derecha; al fondo, la silueta de aquellos objetos sobre fondo claro... Y en las tres, los transeuntes dan la espalda al fotógrafo. ¿Son almas en pena dirigiéndose hacia la luz? ¿Existe alguna musa de la originalidad? Canta oh! musa, la canción del fotógrafo Disdéri allá en Pachuca... el más original de entre todos...

Xenofobia, uliseonismo y los fines de la fotografía...

2009-12-29T15:44:00.077-06:00

Ruth D. Lechuga...la fotógrafa llegada desde "la romántica Viena", quien "se ha integrado totalmente con los mexicanos, pero con los mexicanos más puros, los indígenas". Leyendo esto, no nos pueden acusar de xenofóbicos, menos de racistas; la misma revista reconoce los grados de pureza entre habitantes de un país... digo, por si es la impresión causada en "post" como este:
http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/nada-en-el-nueve-pasamos-al-diez.html

Así, que no siendo mexicanos muy puros, se nos excusará si no explotamos el tema indígena como fotógrafos...ya que tampoco somos extranjeros...

Según Gutierre Tibón, quien también era extranjero: [“sabio autodidacta” italiano que descubrió México a los 35 años, y se quedó a vivir en él (Virginia Bautista, Excelsior)]

http://www.exonline.com.mx/diario/noticia/comunidad/expresiones/gutierre_tibon,_un_sabio_autodidacta_en_mexico/609471

según este sabio, "Ruth Lechuga quiere en verdad a nuestro folklore..."

"Como una necesidad derivada de Ia etnografía, Ruth desarrolló su sensibilidad como fotógrafa, logrando reunir hasta Ia fecha aproximadamente 20 000 negativos en su fototeca. Estas imágenes, Ia mayoría en blanco y negro, son en sí mismas un tesoro de información que Ia han llevado a ocupar un nivel relevante en Ia Sociedad de Autores de Obra Fotográfica (SAOF). No es exagerado afirmar que Ia gran mayoría de obras editadas sobre arte popular mexicano cuentan con fotografías de su autoría."

"Ruth Lechuga, un ser querido y amado por aquellos que la conocemos, admiramos y respetamos, incluidas las comunidades indígenas con quienes mantiene una estrecha relación, es hoy punto de unidad entre un México moderno y aquel que lleva en su esencia el mundo mágico, mítico y religioso que forma la otra cara del mexicano." http://www.mexicodesconocido.com.mx/notas/1062-Ruth-Lechuga

Fuente: México en el Tiempo No. 6 abril-mayo 1995

"Aunque doña Ruth nunca se ha considerado realmente fotógrafa, asegura que sí trataba de hacer imágenes que "dijeran algo", que no fueran "un documento frío".

http://www.jornada.unam.mx/2002/04/21/06an1cul.php?printver=0

MERRY MAC MASTERS; La Jornada

Dice el redactor de la revista: "Hay dos maneras de fotografiar el mundo indígena mexicano: uno haciendo resaltar su miseria, es decir, casi un poco como denigrándolo, como haciendo notar que no se ha integrado al ritmo de progreso de México; el otro haciendo contacto humano con ellos, sin pensar mucho en el resultado fotográfico sino que en las tomas reflejen la comprensión del sujeto". Este redactor no pensaba mucho en el resultado escrito... De manera que para fotografiar indígenas debemos disimular su miseria, aunque sea la parte más notable de su personalidad...o debemos comprenderlos pero no por completo, para no hacer notar su desintegración del progreso...

Tal vez eran los excesos de la prensa o el "snobismo" de los fotógrafos la causa de la proliferación de imágenes denigrantes en aquellos tiempos; quizá la prensa y los fotógrafos se fijaban en los indígenas por interés político más que por interés artístico.

Se trata de diferentes fines de la fotograía, que serán periodísticos o documentales, en estos casos no importaría mucho el resultado fotográfico, según pensaba el redactor; y los fines artísticos, donde importa mucho el resultado, es decir, la calidad de la imágen.

En los dos casos se debe comprender al sujeto: periodísticamente, para reflejar su condición social; artísticamente, para retratar su condición humana, o por lo menos para lograr una buena imágen.

Además, en el fotoperiodismo puede importar el resultado fotográfico, como demuestra Dorothea Lange, y no creemos que ella quisiera denigrar a los inmigrantes:

La lección es esta: no tome fotos como la de abajo, donde vemos una indígena vigilando una gotera de la tubería para darles de beber a sus hijos.

O por lo menos denle un look dramático, para que nadie les reproche sus malas intenciones:

Estéticamente, no se le puede reprochar ni prohibir al fotógrafo la elección de temas como la miseria. Su responsabilidad es hacer buenas fotos; sus fines deben preocuparle sólo a él, como recordamos por esta historia del ganador del premio Pulitzer:

Al recibir el premio, Carter declaró que aborrecía esa fotografía: “Es la foto más importante de mi carrera pero no estoy orgulloso de ella, no quiero ni verla. La odio. Todavía estoy arrepentido de no haber ayudado a la niña”.

[En la imagen puede verse la figura esquelética de una pequeña niña, totalmente desnutrida, recostándose sobre la tierra, agotada por el hambre, y a punto de morir, mientras que en un segundo plano, la figura negra expectante de un buitre se encuentra acechando y esperando el momento preciso de la muerte de la niña.]

Cuatro meses después, abrumado por la culpa y conducido por una fuerte dependencia a las drogas, Kevin Carter se quitó la vida.

Por consideración al fotógrafo no ponemos la imágen ganadora...

http://disderifotografia.wordpress.com/2009/12/30/no-sean-morbosos/

Tal vez la revista quería excusar a Ruth D. Lechuca por no considerarse fotógrafa ella misma. En sus archivos hay 20,000 negativos de temática indígena, de manera que la segunda manera de tomar fotos de indígenas debe estar agotada. De aquí en adelante, seamos "Uliseonistas": El Photomuseum inauguró ayer martes la exposición 'Uliseonista', de Alberto Palomera. Se trata de un proyecto fotográfico, que juega con la imagen y con el lenguaje, como lo hizo Homero en su Odisea o Joyce con su Ulises. A Palomera le gusta crear ilusiones e insuflar encantamiento a sus imágenes, «que las obras de arte sean objetos encantados» nos dice Palomera en alguna de sus anotaciones y bocetos. http://www.diariovasco.com/20091230/costa-urola/uliseonista-fotografias-alberto-palomera-20091230.html

Así que, no interesándonos por el momento la fotografía como documento social... pasamos al siguiente número.

Emociones y efectos especiales...

2009-12-28T19:13:00.049-06:00

Así es, por fin un fotógrafo mexicano: Lázaro Blanco Fuentes... egresado de la Casa del Lago, en Chapultepec. Y la primera noticia encontrada es nada menos su visita en esta ciudad de Pachuca, para recibir un premio y partir de inmediato a recibir otro...

"Este jueves 23 de octubre el maestro Lázaro Blanco sólo permanecerá un par de horas en Pachuca, Hidalgo, donde recibirá la Medalla al Mérito Fotográfico en el marco del Noveno Encuentro Nacional de Fototecas, ¿la razón?: la noche de ese mismo día, en la ciudad de México, se le otorgará el premio Diosa de la luz, que otorga la revista Foto Osma los mejores fotógrafos del año".
http://www.arts-history.mx/semanario/index.php?id_nota=23102008171312
Esos maestros de la Casa del Lago eran muy buenos o él era un alumno muy aplicado.

Leemos en esta página web: "Las imágenes que están aquí (señala varias de la publicación) tienen un mismo concepto: el cuidado, la oportunidad, la precisión del momento y la definición". Y continúa el maestro exponiendo su concepción de la fotografía: "Caso contrario, saca un ejemplar que le obsequiaron hace poco: The New York School: Photagraphs, 1936-1963, compilación de Jane Livingston, varias de las tomas que aquí se encuentran son una aberración, un error garrafal de exposición y de manipuleo de la imagen. No se busca la imagen perfecta, sino se trata de apelar a sentimientos que a veces se dan y otras veces no”.

http://disderifotografia.wordpress.com/2009/12/29/esos-pinches-fotografos/

Pero maestro, si la fotografía es un arte, y el arte desea emocionarnos, cómo es que no le gustan esas fotos porque tratan de apelar a sus sentimientos... Además, la misma obra de arte provoca reacciones distintas en cada observador, es lógico que unas le hagan sentir y otras no; éstas últimas seguramente si emocionarán a otras personas aunque a usted no lo conmuevan.

Y ¿porqué será una aberración el "manipuleo de la imágen"? Para entender los "errores de exposición" buscamos ese libro desagradable pero sólo encontramos la portada:

"Su tema fue más a menudo la misma Nueva York: la coreografía al azar de las aceras de la ciudad, la aglomeración de cuerpos en las playas de Coney Island, el resplandor de las luces de la calle, y el resplandor de Times Square".

Fotógrafos: Diane Arbus, Richard Avedon, Alexey Brodovitch, Ted Croner, Bruce Davidson, Don Donaghy, Louis Faurer, Robert Frank, Sid Grossman, William Klein, Saul Leiter, Leon Levinstein, Helen Levitt, Lisette Model, David Vestal, and Weegee.

Al no poder disfrutar de las fotos de dicho libro, repasamos la red con el nombre de cada uno de estos fotógrafos, algunos de los cuales parecen desagradar al maestro Blanco. Todas las imágenes encontradas tienen "el cuidado, la oportunidad, la precisión del momento y la definición" Cualidades que deben producir la "imágen perfecta", según quiere el maestro. Claro, no sabemos si están incluidas en el libro. Pero si el maestro habla de fotos como la de la portada, vemos la causa de su disgusto: los efectos, el hecho de no presentar la foto tal como la captó la cámara sin mayor intención que obtener una buena composición (el cuidado), encontrar el mejor ángulo (la oportunidad), captar el instante (la presición del momento), y el buen enfoque (la definición).

Una muestra del trabajo de Lázaro Blanco en aquellos años es esta foto titulada "El hombre en la ciudad":

Y una de los que no le gustaban mucho al maestro: Don Donaghy.

A Lázaro Blanco le interesaba "El Hombre", por eso en su foto hay un personaje; para los fotógrafos del libro: "Su tema fue más a menudo la misma Nueva York..."

Pero se nota la similitud de las tomas: contraluz y toma en picado; en primer plano, la reverberación del pavimento; en segundo, edificios laterales; luego, espacio abierto a lo lejos. Como detalle interesante, en medio de la toma están, en la de arriba, el ciclista y la coladera; en la de abajo, el poste y el grifo.

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/en-el-tercer-numero-tenemos.html

Las misteriosas técnicas de los alquimistas....

2009-12-27T10:52:00.029-06:00

Adivinen la nacionalidad del fotógrafo invitado... bueno, si dicen que no es mexicano le atinaron. Luarence Siegel, nacido en Jersey City, "...desde hace cinco años se encuentra en México...". Por cumplirse un año de publicación, la revista nos presenta una sencilla crónica de su aventura editorial y dice "Por nuestras páginas desfilaron durante el año que ahora concluye, personalidades del arte fotográfico mexicano..." Bueno, durante ese año concluido, el arte fotográfico mexicano estuvo en manos extranjeras, veremos el próximo.

Nuestra aventura cibernautica no fue tan provechosa; una pequeña mención escondida entre los coautores de un libro sobre los juegos olímpicos del sesenta y ocho. Nos registramos en la biblioteca donde lo tienen disponible para ver las fotos pero sólo te dejan descargar la ficha bibliográfica. http://biblioteca.universia.net/ficha.do?id=38903396

En la sección técnica regresa el alquimista de la fotografía, Arcadio García con la solarización.

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/el-primer-numero-se-perdio-veamos-el.html

"Estos procesos fotográficos que para los novatos pueden parecer mágicos, opinión que muchos perros viejos en estas lides alientan, no exigen la intervención de ninguna de las misteriosas formas que en otros tiempos escondían las técnicas de los alquimistas". Y dudaba yo de la calidad de mi estilo literario. En fin, que pensarían esos perros viejos intimidadores de los novatos si vieran este video: http://www.youtube.com/watch?v=Gke38tPVyFk

Recomienda el alquimista "...para provocar el efecto Eberhart la utilización de una lámpara de pilas tipo lapicero y un cucurucho de papel que sólo permita la salida de un hilo de luz; el cual se proyecta, en el momento de hacer la impresión en la ampliadora, recorriendo el contorno del sujeto". El efecto Eberhart es el ennegrecimiento de los bordes de la imagen; obviamente, todos sabemos que la solarización se llama efecto Sabatier.

Y la lección continúa durante dos páginas a tres columnas; incluye receta para fabricar el propio revelador. Un elemento importante en este proceso es el control del tiempo en el revelado y la exposición en la ampliadora; implicaba más o menos diez minutos o algo así. Pensando en el tiempo, el autor del video se averguenza un poco porque tarda en formar la W en la herramienta curvas del Photoshop y ni siquiera ha pasado un minuto. Bueno, que opinan ahora, "perros viejos".

Marta Hoepffner es la autora de esta solarización; parece imitación de la foto de Arcadio... La foto de Marta es de 1940, la de Arcadio, de 1971; ¿ Quién imitó a quién? O podemos llamarlo variación sobre el tema "Desnudo solarizado"...

Es más facil hablar que hacer las cosas...

2009-12-26T18:16:00.029-06:00

En este número nos encontramos con las glamorosas fotos y la sensivilidad eslava de Nadine Markova (así dice la revista, pero ella nació en Brooklyn. No habla de indígenas...) Desde agosto del setenta, después de tantos años de actividad, de todos los fotógrafos invitados hasta el momento es la única de quien encontramos noticias recientes en google; nada menos que su propia página web http://www.nadinemarkova.com/. Vemos en sus galerías fotografías de celebridades del mundo del espectáculo mexicano. Bueno, mientras siga conservando la calidad de su trabajo...

A propósito de sus fotos, nos presentan una interesante lección sobre el manejo de los planos en la fotografía en blanco y negro. ¿Estará usando ya el Photoshop o seguirá trabajando con la foto analógica? Explica: "...Un buen día, me cansé de escribir sobre fotografía y decidí hacerla yo misma". De este número podemos sacar en conlusión entonces que se puede escribir sobre lo que sea aún sin dedicarse a ello. Una buena excusa para este blog...

Y la noticia de hoy es buen pretexto: "La sala de exposiciones de la Hospedería Fonseca de Salamanca acoge hasta el 28 de febrero la muestra «Profecías», fruto del diálogo entre los pioneros de la fotografía del siglo XIX y autores contemporáneos".

"...En la iniciativa, agregó, «cada autor ha construido su propio diálogo con la fotografía del siglo XIX, escogiendo para ello álbumes, autores o temas presentes en la colección del Fondo Fotográfico de la Universidad de Navarra.Asimismo, resaltó que cada uno de los participantes «actualizó e interpretó alguna de las obras fotográficas de dicho fondo, buscando su propia conexión visual»." http://www.abc.es/20091226/castilla-leon-castilla-leon/dialogos-fotograficos-20091226.html

De la misma manera, actualizamos e interpretamos las fotos de esta revista; y nuestros seguidores deben entender el blog como construido por mi propio diálogo con ella.

http://disderifotografia.wordpress.com/2009/12/27/es-mas-dificil-hablar-de-algo-que-hacerlo-oscar-wilde/

Manipular la imagen o no... en qué concurso estás...

2009-12-21T19:54:00.039-06:00

Fotografías de Blas Cabrera, español llegado a México durante la guerra civil de su país.

(Ignoramos el número nueve porque también trae fotos de indígenas, y ya habíamos mencionado a Manuel Carrillo como expositor del tema. Pero, es interesante que el invitado de ese número fuera húngaro de nacimiento y también le gustara retratar indígenas: Andrés Bogati, así se llama; y la fotógrafa Ruth Lechuga, a quien dice admirar muchísimo, también era española. Si nos dejáramos impresionar por la revista, parecería que los más interesados en fotografiar indígenas han sido extranjeros.)

Blas Cabrera captó esta imágen titulada "Baldosas y mujer":

en un libro sobre fotografía en blanco y negro encontramos una plaza de Copenhague, Dinamarca.

Explica el autor de la última foto: empleé un objetivo gran angular e incliné la cámara hacia abajo para incluir gran parte del pavimento y, a la vez, situar al hombre en la esquina superior del encuadre. Así configuré una composición más interesante y dinámica.

¿El hecho de que la mujer sea indígena y el hombre sea un citadino debería influir en la impresión que nos causan las fotos? En la primera podemos imaginar el aislamiento de los indígenas en la gran ciudad, si le hubiera encuadrado algo más del entorno como en la foto del hombre de Copenhague; y en ésta, el danés no parece muy compungido como para hablar de aislamiento; al contrario, se ve muy dinámico, según la intensión del fotógrafo. En las dos fotos el aspecto importante es la imágen como diseño; y es la misma idea.

Otra de un fotógrafo mexicano, Domingo Hurtado del Río; lo veremos en el número veinticinco.

Entre las tres fotos hay un periodo de treinta y cinco años. En las noticias de internet se lee:

¿Un lobo ibérico con piel de cordero?

FRANCESC BRACERO - Barcelona - 23/12/2009
El fotógrafo José Luis Rodríguez niega manipulación y dice ser víctima de una campaña de difamación
Al último premio Wildlife Fotógrafo del Año 2009, el español José Luis Rodríguez, empieza a dolerle la cabeza por haber obtenido este prestigioso galardón que premia la mejor fotografía de naturaleza. Informaciones en la BBC y en diarios británicos como The Guardian y Daily Mail se ocupaban ayer de forma destacada de acusaciones de que la fotografía que le sirvió para alzarse con el premio, una bella estampa de un lobo ibérico saltando una cerca, está hecha con un animal en cautividad entrenado para dar el salto que da la espectacularidad a la instantánea premiada. Según esos diarios, los jueces del concurso británico Veolia Environment Wildlife Photographer of the Year están ahora intentando dilucidar si Rodríguez utilizó un animal en cautividad para su fotografía premiada, lo que habría contravenido las reglas del premio, por el que recibió 10.000 libras esterlinas, unos 11.200 euros. Las acusaciones, publicadas por la revista finlandesa de naturaleza Suomen Luonto y que llevan meses en internet, apuntaban que el lobo de la foto no es salvaje, que se llama Ossian y que vive en un zoológico de Cañada Real, cerca de Madrid. ...

http://www.lavanguardia.es/free/edicionimpresa/res/20091223/53850980383.html?urlback=http://www.lavanguardia.es/premium/edicionimpresa/20091223/53850980383.html

http://www.elpais.com/articulo/sociedad/Investigan/veracidad/foto/lobo/iberico/gano/premio/europeo/elpepusoc/20091223elpepusoc_5/Tes

Aunque aquí el asunto es la cautividad del animal y no el retoque de la fotografía digitalmente. No sabemos si lo anterior es cierto; si el fotografo participó es porque conocía las reglas.

Pero si en los concursos de fotografía sólo se aceptan fotos sin manipulación de ningún tipo, y se le deja al fotógrafo la única opción de captar lo que ya existe en su entorno, ¿ Como se evitará que con el paso del tiempo se acumulen fotos de los mismos temas captadas desde el mismo punto de vista, con ligeras variantes como las tres fotos de arriba?

Si la mayoría de los fotógrafos domina la técnica fotográfica en la misma medida, ¿será el mejor quien capte fortuitamente una imágen extraodinaria?

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/en-el-tercer-numero-tenemos.html

En una revista de fotografia digital encontramos a la fotógrafa Sandra Sue, "...a partir de ese momento no pensé en otra cosa que en hacerme con el programa (habla del Photoshop)...Podía mezclar al infinito imágenes y alterarlas sin tener que cortar negativos ni pasarme horas en el laboratorio." Y ella misma bautiza sus imágenes como "digitografias", puesto que no son fotos hechas con cámara únicamente, y aunque parecen pinturas tampoco lo son. Así que si el término tiene éxito estaremos nada menos que en la era de la "Digitografía". Por si les interesa conocer su obra aquí esta su sitio: http://www.sandrasue.es/

Ella misma nos enlaza con otros fotógrafos en la sección de links, todos muy buenos. Nos gustaría saber cuales de ellos utilizan el Photoshop.

No importa tu edad, sólo elige un tema...

2009-12-20T12:02:00.017-06:00

Nada nuevo, pero trae fotos de Manuel Carrillo, sin pensarlo más nos lanzamos a la red y encontramos:

Galería virtual

"Revelación de la Identidad Personal: la visión indígena de Manuel Carrillo" se trata de fotografías e identidad. Melissa Carrillo, quien a su vez es artista y curadora invitada de la exposición, quiso darle vida a la búsqueda de Carrillo en pos de su identidad mediante la interpretación de sus fotografías como texto. Mientras desarrollábamos la exposición llegamos a la conclusión de que se necesitaba un nuevo enfoque etnográfico a fin de mostrar cómo se construye lo indígena a través de la fotografía. Pero debía contener necesariamente el sentimiento personal que tanto deseábamos explorar y transmitir. Términos tales como desplazamiento, frontera y ubicación, al ser explorados en este proyecto, cobraron vida como una combinación de imágenes y poesía, no solamente como elementos de un discurso académico.
El desafío de las exposiciones museísticas, virtuales o no, es instigar a una nueva forma de pensar, informar y contar una historia. Esperamos que esta exposición los lleve a pensar acerca del México retratado por el lente de Carrillo, acerca del México indígena y acerca de la identidad como una construcción social."

Para los que no lo saben, les voy a explicar qué es la "etnografía" en palabras de Wikipedia para que me entiendan mejor:

"Para el sociólogo Anthony Giddens la etnografía es el estudio directo de personas o grupos durante un cierto periodo de tiempo, utilizando la observación participante o las entrevistas para conocer su comportamiento social para lo que es imprescindible el trabajo de campo como herramienta básica. La investigación etnográfica pretende revelar los significados que sustentan las acciones e interacciones que constituyen la realidad social del grupo estudiado; esto se consigue mediante la participación directa del investigador. Con frecuencia, el investigador asume un papel activo en sus actividades cotidianas, observando lo que ocurre y pidiendo explicaciones e interpretaciones sobre las decisiones, acciones y comportamientos."

http://latino.si.edu/virtualgallery/Virtualgallery_spanish/manuelcarrillo/mccode.htm

Que malo, no funcionan las galerías virtuales, ni modo.

" A mediados del siglo veinte el panorama político social del México posterior a la revolución se presentaba como un período de grandes cambios y esfuerzos dirigidos a la creación de una identidad cultural mexicana unificada. Dentro de este proceso la fotografía desempeñó un papel decisivo en lo que se refiere al establecimiento de una forma de lenguaje visual que contribuyó al afianzamiento y formación de una identidad. Estos modelos fotográficos de representación se convirtieron entonces en artefactos fundamentales para permitir la comprensión cultural que informa la interpretación."
http://latino.si.edu/virtualgallery/Virtualgallery_spanish/manuelcarrillo/mccode.htm

De manera que las fotos de Manuel Carrillo contribuyeron de alguna manera en la creación de la identidad nacional.

En la portada de la revista dice: "Los Mexicanos en su medio". Suena como concurso de institución bancaria: "Cómo son los mexicanos"; bueno, como y donde son cosas diferentes...

Cuanto tiempo ha pasado desde que Manuel captó esta imágen:

Aunque no lo crean, esas niñas indígenas son las mismas que capté ya grandes en la foto de abajo hace poco...

La titulé poéticamente "Sueño tarahumara", porque parece que el tiempo se les pasó ahí sentadas y de repente se despertaron con la novedad de que su entorno ya cambió, pero su forma de vida no lo hizo... o algo así...Etnográficamente por lo menos, conservan la costumbre de sentarse en escalones en grupo...

http://disderifotografia.wordpress.com/2009/12/20/que-onda-con-los-paisas

Anexo de la entrada anterior...

2009-12-20T10:45:00.013-06:00

Infructouso intento por cuestionar la originalidad del Ing. Zanaky.

Por más que buscamos en la red fotos de gaviotas sobre puestas de sol no encontramos más que esto:

Quizá se deba a que la "Flecha volante" de nuestro fotógrafo estrella es un montaje de diapositvas... o quizá el Museo de Arte moderno de Nueva York tenía razón al comprarla.

A estos les faltó ingenio para montarles las gaviotas volando en forma de flecha:

En fin, parece que ahora cada que quiera uno hacer una foto muy original tendrá que navegar un rato para ver si no le ganaron ya la idea. Definitivamente, estamos a favor del "pictorialismo fotográfico".

Cuál técnica es mejor... y tiene algún valor...

2009-12-19T13:46:00.078-06:00

Hemos esquivado el anterior número porque su única novedad eran fotos tomadas con un microscopio novedoso. Pero de nada sirve, porque este número tampoco trae gran cosa...

Sin embargo, su fotógrafo invitado parecía ser muy bueno, incluso el Museo de Arte Moderno de Nueva York compró su obra titulada "Flecha volante", consistente en un montaje de dos transparencias. La compró nada menos que para su "colección permanente", por la década de los sesentas.

El Ing. Zakany, así se llama el autor de esta foto, dice que "este crear fotográfico" se equipara a la pintura, ya que la suple captando el movimiento. Habla de las fotos que siguen.

Los expertos del Photoshop nos dirán que aplicando uno que otro filtro, precisamente uno que se llama desenfoque de movimiento, podemos conseguir el mismo efecto en una fotografía; y no es necesario que aparezca el movimiento tan evidente para que imite una pintura, como nos pueden demostrar los artistas del Corel Painter. ¿Cuantas obras de estos que se dedican al Painter estarán en el Museo de Arte Moderno de New York? Claro que en aquellos tiempos no existían estos programas, pero si había ya pasado de moda la fotografía academicista.

"Bajo el nombre de Fotografía academicista, también conocida como fotografía artística o pictorialista -que no hay que confundir con el pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX y principios del siglo XX-, se conocen una serie de intentos de identificación artística de la fotografía que se desarrollaron en la segunda mitad del siglo XIX y que trataron de incorporar a esta disciplina elementos propios de la pintura.
Este movimiento fotográfico surge como reacción a las críticas que negaban el valor artístico de la fotografía. Sus integrantes son fotógrafos que reivindican el papel artístico de la fotografía buscando inspiración en la pintura academicista, de la que toman sobre todo sus temas y géneros (temas mitológicos, hechos históricos, etc.)." Wikipedia.

Más bien, lo que practicaba el Ing. Zanaky era el "pictorialismo fotográfico":

" Para el grupo de fotógrafos que lo conformaron, el pictorialismo supone hablar de una imagen más dentro de lo existente, de una imagen simple captada/separada de un mero registro de la realidad.
Surge como reacción a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica instantánea de Kodak, y se extiende rápidamente por todo el mundo. También se contrapone a la Fotografía academicista reivindicando los valores propios de la fotografía para la realización de obras de arte en plena igualdad con otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura,...). Es por ello que se renuncia a la imitación de la pintura. " Wikipedia.

Vistas desde este punto de vista, sus fotografías nos gustan más.

¿Cuantas de estas bellezas encontradas en la red están en un museo de arte moderno?

¿Sería por lo novedoso del medio fotográfico que los museos se impresionaban con imágenes como la "Flecha volante"?; o es que deseaban conservar obras "representativas" del momento en que se encontraba la técnica fotográfica sin importar criterios más estéticos.

Fundado en 1929 por Lillie P. Bliss, Abby Aldrich Rockefeller, Mary Quinn Sullivan, y cuatro socios fundadores más, el Museo de Arte Moderno (conocido por sus siglas en inglés MoMA) fue el primer museo dedicado a la era moderna. Comenzando con el innovador arte europeo de la década de 1880, la colección contiene valiosas obras de cada período siguiente de cultura visual hasta el presente; incluye medios modernos tan diferenciados como cine y diseño industrial, además de otros medios más tradicionales. En la actualidad con cerca de 150,000 objetos, la colección ofrece una visión general del arte moderno y contemporáneo sin comparación.

Fotografía—Tercer Piso Con más de 25000 obras, la colección del MoMA cubre la historia de este medio desde la década de 1840 en adelante, representando tanto a sus grandes figuras creativas, como a sus aplicaciones en diversos campos como el periodismo, la ciencia y el comercio.

http://www.moma.org/visit/infoplans/spanish_plan

Bueno, ahi esta, el Ing. Zakany debió ser una de esas grandes figuras creativas, o alguien que aplicaba la técnica en los diversos campos.

A propósito de su Patinadora girando, que confundí con una bailarina, y su Plasticismo taurino, ya comentamos como los fotógrafos captan imágenes ya vistas por otros. "Imágenes de imágenes", diría un estudioso de la iconicidad y esas cosas.

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/en-el-tercer-numero-tenemos.html

Según la revista: "la técnica espacio-tiempo" ( así la bautizaron ) se basa en la utilización de velocidades lentas de obturación (entre 1/5 y 1/2 de segundo) y aperturas de diafragma medias (f/4 a f/8)."

http://disderifotografia.wordpress.com/2009/12/19/que-tecnica-es-esa/

¿De que manera se puede considerar esta técnica espacio-tiempo superior a las herramientas para clonar fotos del Corel Painter? ¿Por qué tiene más valor artístico dejar el diafragma muy abierto durante un largo rato ( o montar diapositivas ) que aplicar pinceladas simuladas sobre una foto ya hecha? Bueno, esto se nos puede ocurrir en caso de que no haya ninguna obra realizada con el Photoshop o el Corel Painter en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Qué filtro prefieres...

2009-12-16T18:17:00.038-06:00

Colores de fantasía alucinantes paisajes rostros esquizofrénicos sicodélicas imágenes y la mirada desconcertada...

Para lograr estos extraordinarios efectos antes no era necesario más que utilizar la película adecuada o algunos filtros y listo.

Ahora los expertos del Photoshop nos dicen:

Abre tu foto con Photoshop Duplica la capa fondo (CTRL+J) y llámale a esa nueva capa de alguna manera identificativa. ¿”Capa IR”? Ahora, con la capa nueva seleccionada ve a Capa > Nueva Capa de Ajuste > Mezclador de Canales o Layer > New Adjustement Layer > Channel Mixer si lo tienes en inglés. Marca MONOCROMO y lleva el nivel de VERDE hasta algún lugar entre el 160% y el 200%, el de AZUL hasta algún lugar entre el -160% y el -200%. Toca el ROJO mínimamente para lograr un resultado a tu gusto. Ya tenemos nuestra imagen con look IR.

Aunque las fotos infrarrojas pueden impresionar un poco, no es de nuestras técnicas favoritas, así que sin más comentarios les dejamos estas muestras logradas con el programita este tan fabuloso...

Bueno... búsquenlas ustedes...

http://disderifotografia.wordpress.com/2009/12/19/la-fotografia-infrarroja/

Está bien, sólo por curiosidad busqué y encontré estas que me hacen dudar de mis prejuicios. Creo son muy buenas, si es que de verdad son infrarrojas. Las de aquellos tiempos parecían simple separación de colores...En cambio estas...

Existe la originalidad en la fotografía...

2009-12-12T20:11:00.071-06:00

¡El Desnudo!

Nada menos que esto: Iniciación al desnudo.

Con estas bonitas ilustraciones nos adentramos en la dificil tecnica del desnudo artístico.

Al parecer, esta revista era la mejor de su género en latinoamérica en aquella época. Así que si ponía estas fotos entre sus páginas es que también sus fotógrafos eran de los mejores de aquellos tiempos. Eso pensaba cuando era niño...

http://disderifotografia.wordpress.com/2009/12/14/%c2%a1el-temible-desnudo/

Si vemos ésta última foto, haciendo abstración de la figura femenina, podemos decir que es la figura de una pera, después de todo la tecnica utilizada ya la ha desposeido de sus atributos caracteísticos.

Si buscamos en google las palabras "desnudo artístico" pueden aparecer imágenes como las de abajo...

Vamos pasando de la figura simulada hasta la verdadera imagen que sólo había sido sugerida por la primera. ¿La foto de enmedio es una mujer o un vegetal? El autor de las dos últimas (Sergio Fasola) puede explicarnos que pasa con estas fotos:

" No pasó mucho tiempo que una señora con una chica que la acompañaba exclamo…”¡Qué genial…me encanta este desnudo de mujer, que maravilla los colores!”…sin haber prestado atención a la frase, me hinché, gordo como un sapo …Yo soy el autor!… ”Lo felicito, me respondió, mi nieta quiere ser artista.¡Viste nena, esto es arte, un desnudo artístico!”…Se arrima, la señora como para hacerme un comentario cómplice …”¿En qué habrá pensado el que puso esas berenjenas ahí al lado?…¡Hay cada enfermo trastornado, hoy cualquiera hace cualquier cosa y ya se cree artista! …¿No le parece?”…¿Qué querés que le diga…que “Las berenjenas” era una de mis fotos….y que el desnudo de mujer, que ella tanto ponderaba era un pimiento?….Hasta el día de hoy me cuestiono si en vez de exponer “Las berenjenas“ no habría sido más acertado exponer “La pera”…por lo menos se parece a un culo. "
http://blogs.ellitoral.com/esloquehay/index.php/2006/12/21/desnudo-artistico/

Desde que se inventó la fotografía hasta hoy, la mayoría de los fotógrafos trabaja con las mismas imágenes que ha visto en otros; y en ocasiones lo hacen sin saberlo.

Qué diferentes son las imágenes de un artista de verdad original, creador de su propio universo.

¿Que tal esta?; ¿podría parecer una pera?

Creo que no, pero es muy original como desnudo; aunque a Witkin no le interesaba destacar la belleza de las formas y líneas de un cuerpo femenino.

En fin, gracias al tratamiento digital que se le puede dar a una fotografía, habría que esperar más de la imaginación de un fotógrafo; después de todo, dicen los expertos que nunca ningún medio artístico ha sido puro.

"En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvo un gran efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística." Wikipedia.

(Nota publicada con fecha de 07 de febrero del 2010: En el blog de Asunción Aparicio ha desaparecido el siguiente comentario:

Una fotógrafa comenta: "Habitualmente, el proceso creativo comienza a partir de un concepto o idea que plasmo en imagen a través de la fotografía, a continuación, paso al Photoshop donde el concepto pierde fuerza y la plasticidad, la búsqueda por satisfacer un sentido muy personal de la estética, es lo único relevante."

http://asunapariciofotografia.blogspot.com/

Desconocemos las razones por las que ha retirado su declarción de principios, pero sigue siendo pertinente para nuestro comentario de este número)

Claro, existe también el naturalismo, y también sucede que, aunque se manipule la imagen digitalmente, de todos modos acaban manipulándola de la misma manera para producir casi las mismas imágenes, o por lo menos, el mismo estilo. Por lo tanto, si el medio ha cambiado, los fotógrafos siguen siendo iguales, sólo que ahora utilizan la computadora en lugar del cuarto oscuro...

¿Qué dice Man Ray? El y Witkin perseguían diferentes fines, pero utilizaron aquí el mismo meterial, en la misma posición. Sólo le agregaron sus propios detalles para causar diferentes impresiones. Incluso el mismo artista vuelve sobre el tema para producir una variante:

Y otros artistas, como Nicolai Klimaszewski, le siguen la inspiración:

El medio ha mejorado, pero sigue necesitándose talento como el de estos tres para lograr fotografías que de verdad nos emocionen.

Aunque las fotografías de la revista nos parezcan inocentes, en aquellos años eran algo maravilloso; y gracias a esta revista se nos despertaba la imaginación para buscar fotos interesantes.

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/nada-en-el-nueve-pasamos-al-diez.html

Abstracción y nostalgia...

2009-12-12T16:33:00.032-06:00

En portada: imágenes abstractas...

El fotógrafo "juega con la separación de colores" y en sus manos "los negativos sufren raras transformaciones que se traducen, finalmente, en arte abstracto"...

"Es en el laboratorio, emulando a los alquimistas de la Edad Media (pero en busca de la belleza de la imagen y no de la piedra filosofal), donde logra los mejores resultados..."

¡Que tiempos aquellos! Eran tiempos en que podías jugar al alquimista en tu cuarto oscuro para obtener estos maravillosos resultados... Ahora, con el Photoshop, parece que todo el misterio del proceso fotográfico está a punto de desaparecer.

Para lograr algo como estas imágenes, basta con uno que otro click de tu ratón y listo, ya eres mago...

La segunda, por ejemplo, abres el Pothoshop, abres la imagen, te vas a menú, imagen, modo, escala de grises; después, la conviertes en duotono con los colores de tu elección, duplicas capas, la volteas, eliges el modo de fusión y listo, te ahorraste horas de cuarto oscuro. Pero quizá también te perdiste algo de la emoción al ver revelarse la imagen latente, después de haber buscado el mejor enfoque en la ampliadora; sentir en tus manos el papel húmedo; la tensión o relajación al controlar el tiempo y otras sutilezas más...

Sobre todo, estaba el hecho de que no podías "deshacer" si te equivocabas; ademas del papel y el tiempo que desperdiciaste, repetir todo el proceso era algo que podía desesperar a uno que otro fotógrafo no tan dado a las emociones...

http://disderifotografia.wordpress.com/2009/12/13/hablando-del-proceso-fotografico

La bibliotecta del viejo...

2009-12-12T12:35:00.009-06:00

Hace algún tiempo mi padre me regaló (al fín), su vieja colección de revistas de fotografía. Tenía muchos años de no hojearla y no recuerdo nada en especial de ella, excepto que tenía prohibido recortar las fotos de sus páginas... Ahora, al repasar esas páginas desteñidas, sigo sin recordar alguna fotografía en particular que me halla impresionado tanto para reconocerla. Al leer los textos descriptivos de las obras de sus fotógrafos invitados me parece descubrir, no el talento de esos fotógrafos -algunos tenían mucho-, sino las ideas que se supone debía tener yo en aquella época sobre la fotografía. Este blog se inicia por la comparación de estas viejas ideas con las actuales; descubiertas por la lectura algunas, por la experiencia otras; y sobre todo, por la confrontación de la revista con lo encontrado en internet. Y lo que más encuentro son fotos parecidas a las de la revista... Al contrario, lo que no encuentro son los fotógrafos de antaño...

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/quince.html

Hay algunos blogs sobre un posible antagonismo entre la fotografía analógica y la fotografía digital; unos más congruentes que otros. También hay libros sobre la comparación entre la fotografía y la pintura, en los que tratan de demostrar si son técnicas distintas o si una tiene más valor artístico que la otra.

http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/numero-once-y-grata-sorpresa.html

Esperando ambas resoluciones, si es que no se han dado todavía, intento simplemente descubrir lo que pienso yo mismo sobre la fotografía, ahora que contamos con el Photoshop; herramienta no muy apreciada por los puristas, y que llegó algo tarde para mi, ni modo.

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/02/algo-estimulante-al-fin-en-el-numero.html